Puras Joyitas

En la vorágine del día a día, una serie de rutinas se cruzan sistemáticamente, como una maraña, como un laberinto de desaires y compromisos, de una estética de vida, que obliga a sus participantes a correr para lograr sus planes, a tal punto de perder la capacidad de observar los hechos más sencillos, los cuales de ser usados en contra, podrían hacer abdicar a cualquiera.

En una sociedad donde pocos se percatan que en un universo de sillas abatibles al borde de una piscina, repleta de hermosas mujeres, un asiento metálico, olvidado por el tiempo y cubierto con la herrumbre del paso incesante del reloj, tiende a destacar por ser diferente a su entorno, por ser bendita por sus formas atípicas, por su nomenclatura rústica y seria.

"Los entendidos" son capaces de ver detalles insignificantes como estos y en base a su formula de detener el tiempo y concentrarse en cada detalle, en cada molécula de rutina y en base a su análisis dar el golpe perfecto para salir con el botín en las manos, sin despertar sospechas, no sin antes dejar una estela de admiración y de invisibilidad.

"Puras Joyitas", es una película que deja un buen sabor y por eso a la salida de las salas de cine donde se está exhibiendo en el país, se cubra con una matriz de opinión, que aspira ver una secuela a finales del año que viene, porque en su primera parte conquistó a la audiencia que fue a verla y que hoy corre la voz, para que nadie se pierda esta cinta, que dará mucho de que hablar y recordar.

La película puede definirse como una especie de versión de la trilogía de Ocean¥s pero a la criolla, es decir, robos magistrales acompañados por los sonidos de un arpa, cuatro y maraca, postrados ante el reino de la comida vernácula como es el caso del pabellón criollo.

Este largometraje es más que eso, pues es una película que logra un alto nivel de comicidad, sin recurrir a un nivel excesivo de groserías, ni promover la violencia como forma de vida.

"Puras Joyitas" es un bálsamo para quienes quieran divertirse un rato y ver una cinta de alta factura, con tomas que no tienen desperdicio, siempre con la tilde criolla, con esos puntos en común que se tiene en la nación, que hace reír indubitablemente.

Otra particularidad que tiene la cinta es que el espectador se divide en decidir quien es su personaje favorito, y en este caso, los antagonistas se han ganado el cariño del público y muchas de sus frases se han convertido en nicks de servicios de mensajerías de texto o cualquier dispositivo electrónico que amerita algún tipo de firma, es decir, los malos y buenos de esta cinta se convirtieron en una especie de filósofos de los tiempos del plástico.

Esta banda de ladrones se mezcla con una de mafiosos, quienes coaccionan a Los entendidos" a participar en un delicado golpe por ciertas deudas que tenía uno de sus integrantes, hecho que ponía en su vida en peligro.

El robo era algo más complicado de lo que parecía, pues la meta era la corona de un concurso de belleza de fama internacional que se realiza todos los años en el país, para ello el "sin nombre", "Funboy", "Coqueto" y "Rodilla" tuvieron que desarrollar un plan para poder robar la preciada corona, a pesar del peligro que representaban los villanos "Tío André", "Kong Kong" y "Bigote".

Con tres millardos de bolívares de presupuesto; 86 locaciones; 7 semanas y 6 días de rodaje; más de 300 personas en acción entre actores y trabajadores, "Puras Joyitas" se convierte en uno de los proyectos más ambiciosos que se han hecho en la historia del cine nacional y por eso no se puede perder la oportunidad de irla a ver en las salas de cine.

Erich Wildpret interpreta a Funboy, un amargado intelectual que tiene más títulos que satisfacciones, quien por su carácter se mete en problemas con facilidad y se lleva todas las cachetadas, vaciadas de vasos con líquidos fríos y otras rutinas más desagradables.

Miguel Ferrari es Rodilla, uno de los más chistosos, con más piezas metálicas que la mujer biónica y siempre dispuesto a romper la situaciones más tensas, con un hilarante comentario.

Albi de Abreu es "Coqueto" un ladrón de cuello blanco, a quien, las mujeres, ni las puertas, se le pueden resistir.

Entre los malos destaca "Kong Kong" (Budú), un matón que gruñe más de lo que dispara. "Tío André" una especie de cínico pseudo tropical, cuyas poses pasmódicas harán reír a más de uno, papel que es interpretado por el insigne actor venezolano Jorge Palacios.

Una mención aparte merece "Bigote", conocido también como "El Dr. Amor" escenificado por el actor Juan Pablo Raba, quien le da forma a un asesino sin sesos, que debe su mote a un mostacho que lo definía como una especie de galán de arepera, de esos que acartonan su voz y dicen "hola pequeña, soy el doctor amor, øquieres mi amor?".

Otro aspecto positivo es la banda sonora, que merece ser comprada sin vacilación alguna, ya que junto a la edición de la cinta, se roba el show.

"Puras Joyitas" es una comedia inteligente, con profundas reflexiones sobre la vida y de como se va modificando la misma con el pasar de los tiempos, mostrando lo que hace décadas atrás era impensable y que ahora es prácticamente obligatorio.

Desde pequeños ensayos sobre el silicón, sátiras de los concursos de belleza, muestras de la brutalidad colectiva, esta película hace pasar un agradable momento y hace posible que no brille por su ausencia una reflexión y el deseo de ver pronto en carteleras a "Puras Joyitas 2".

Trailer de Speed Racer

Trailer de Batman: The Dark Knight

Póster de Sweeney Todd

Primera imagen de Astroboy

Nuevo Poster de Indiana Jones

Hairspray

"Hairspray" es una muestra de los recónditos caminos que puede tomar Hollywood, para la creación de un filme y este en particular tiene un trayecto enmarañado y algo complicado de explicar.
Este largometraje musical que bien pudiera llamarse "laca" en español, nació de la creatividad de John Waters, quien hizo películas bastante agresivas y sórdidas que impactaron a la audiencia, pero no fueron un éxito comercial.
Waters decidió dejar a un lado su visión oscura de las cosas y decidió hacer películas un poco más comerciales como fue el caso de "Poliéster" y "Hairspray" en 1988.
Posteriormente en el 2003 se toma la película Hairspray y en Broadway se hace un musical, que resultó bastante exitoso y ahora en el 2007 se hace una película basada en ese musical, algo complicado el asunto, pero al fin de cuentas se puede decir que la versión actual es producto de una serie de mutaciones de una misma idea, demostrando que nada es bueno o malo, sino depende del cristal con que se mire y es por eso que se puede ver al padre de la criatura, haciendo un cameo, como un pervertido en una calle de la ciudad de Baltimore.
De todos los musicales que han salido recientemente, se puede decir que este es el más ligero de todo, sin ninguna premisa dramática, casi sin ningún obstáculo para los protagonistas, sin embargo no deja de ser sincera y a pesar de su simplicidad, tiene un mensaje contundente.
Sus canciones tienen una fórmula sencilla, son pegajosas y sin grandes artilugios, que a pesar de no ser una obra de arte, quedan en la mente del espectador por algunas horas, luego de finalizar la cinta, al fin y al cabo, esa es la idea y la cumplen a cabalidad.
En la vitrina de esta producción está una clara idea que es reivindicar a los marginados e imponerlos sobre los clasistas y racistas que mueven los hilos de los medios de comunicación de una sociedad que entraba en la década de los sesenta.
Para ello se uso una galería de personajes muy adecuados para esta idea y la punta de lanza fue Jhon Travolta, quien se disfraza de mujer para interpretar a la madre de la heroína y desde su no tan esbelta figura, se constituye en una especie de tribuna para fustigar a quienes piensan que una persona de color o con kilos de más no puede ser apta para conseguir sus sueños en un mundo, donde las apariencias son todo.
Este largometraje cuenta con un gran elenco, como es el caso de Cristopher Walken, quien viste la piel de Wilbur Turnblad, y así repite una faceta divertida de él, que es el baile y el canto, como se le vio anteriormente en el vídeo de Fat Boy Slim "Weapon of Choice".
Michelle Pfeiffer hace de Velma Von Tussle, una ácida mujer del espectáculo que quiere imponer el criterio de que sólo la gente blanca y atractiva tiene derecho a ser estrellas de televisión; con su presencia, irónicamente se juntan dos de los protagonistas de las dos partes de "Vaselina", quienes son enemigos declarados.
Completa la nómina de actores, Amanda Bynes, Queen Latifah, James Marsden, Zac Efron y Brittany Snow.
La película se centra en la aceptación del público juvenil de Baltimore a un programa de baile llamado "El de Corny Collins", en donde una de las anfitriones tiene que salir del programa por un lapso de nueves meses, y es por eso es que llaman a un casting para conseguir a la nueva bailarina.
En esta aventura se suma Tracy Turnblad (Nikki Blonsky), quien en su corta estatura y su conformación física un problema, porque en la televisión quieren ver a la gente estilizada, pero a pesar del rechazo inicial no se rindió y demostró su dotes de baile y canto, hecho que convenció a Corny Collins, quien en un acto de desobediencia decidió incluirla a pesar de las críticas adversas de los patrocinantes y de la despiadada productora.
Una vez en el programa Tracy conoce a un grupo de personas de color, que hacen la función del "día del negro" del show, y se une a su causa de no ser segregados, cuando la televisora intenta sacarlos del aire, hecho que pone en peligro su naciente carrera, pero al final, vale más sus convicciones personales que la fama y ella será un punto vital para desencadenar una serie de cambios que darán mucho de que hablar en los siguientes años.
La actriz Nikki Blonsky conoce muy bien los problema del papel que le tocó interpretar, porque a su corta edad y con 1,47 metros de altura, se ha tenido que enfrentar a la burla y a los sinsabores de ser despreciada por su apariencia.
Ella al igual que Tracy contó con unos padres que la apoyaron en todo, incluso en su sueño de ser estrella de cine y un día trabajando en una heladería se enteró que fue seleccionada para el papel protagónico que admiraba cuando la vio en el teatro, porque se sentía identificada con ella.
"Hairspray" con sus toques de comedia y con sus canciones pop, tiene una seria propuesta de fondo, hace una denuncia de una situación que a pesar de los años no ha cambiado y muestra un enfoque no común en Hollywood, donde las caras lindas y los cuerpos estilizados salen ganando por lo general.
También tiene una onda refrescante, porque es una muestra no coincidente con las acartonadas versiones de historias románticas, donde los protagonistas luchan con una serie de clichés para revalidar el sentimiento que poseen, en este caso no, sencillamente las personas se aman sin importar sus condiciones y se entregan a lo que sienten, porque lo que sienten no tiene color o talla, porque es universal.

Héroes Volumen 2

Una animadora al borde de caer en una nueva vida, con la obligación de permanecer bajo las sombras; un hombre desmemoriado con una serie de habilidades asombrosas; un joven oriental atrapado en el pasado, quien tendrá que ver cara a cara a su héroe; un político en la ruina emocional, que arrastra toda una serie de fracasos; una adolescente hermosa, cuya mente es tan inestable como un corto circuito; un asesino sin poderes que busca conseguir la cura que lo lleve a no abdicar; unos hermanos desesperado por la maldición que pesa sobre ellos; una mujer que busca una salida a su dualidad salvaje; un científico inmenso en un laberinto de preguntas sin respuestas; un policía que está a punto de descubrir las cosas monstruosas que es capaz de hacer; y un cínico obrador dfel bien, carente de la cualidad de distinguir la oscuridad y la luz de sus actos.
Son a grandes rasgos los personajes que tomarán el mando en la serie Héroes, que en este mes presentó una innovadora manera de cerrar el ciclo, al bajar el telón de se segundo volumen.
A lo largo de los 11 capítulos que lo constituyen, se van revelando una serie de aspectos interesantes y a su vez van naciendo una serie de interrogantes, sobre la génesis de estas personas genéticamente dispuestas a marcar la diferencia.
Héroes es sin duda una de las mejores series que se han planificado en los últimos años y su desarrollo en esta segunda etapa ha sido bastante bueno, manteniendo la tónica de misterio, al responder una duda y dejar un clima de incertidumbre entre los espectadores que siguen este seriado.
Esta vez los personajes deberán enfrentarse a uno de los fundadores, a un inmortal con los mismos poderes de Claire, pero con una mente criminal que puede acabar con la existencia del planeta tierra.
Es interesante que los villanos de este parte de la serie hayan destacado en sus planes malévolos, no por sus poderes sobrenaturales, sino por sus pensamientos humanos, y en esta ocasión Sylar y Adam, pusieron en peligro a la vida como se conoce, sin acceder a sus habilidades especiales, hecho que marca una diferencia notable con lo visto anteriormente.
El despliegue de efectos especiales es mejor aprovechado y por eso hay secuencias que pueden formar parte de las mejores escenas del año y las mismas se ha convertido en un icono a seguir para el resto de las productoras.
Como algo negativo está el afán de copiar fórmulas exitosas y en esta temporada series como "Chuck" o "La Mujer Biónica" amenazan con saturar el género o en su defecto, desgastarlo y por eso se puede ver que la audiencia de Héroes ha decaído un poco, aunque Elle vino a salvarla.
Elle Bishop, una linda adolescente con poderes eléctricos ha sido el punto resaltante de la serie, y sus apariciones han demostrado que aciertos en el guión pueden recapturar a la audiencia perdida.
Elle, es interpretada por Kristen Bell, quien fuera famosa por escenificar a Verónica Mars, quien está ocasión deja a un lado su actuación como niña buena, para convertirse en una villana glamorosa, quien con su actuar ha impactado a muchas personas, a tal punto que sus frases son usadas en miles de nicks de los perfiles del msn, es decir, Elle, es una filósofa de la caja chica.
Su actitud de una desquiciada niña fresa, ha llamado la atención y este hecho es incuestionable, porque incluso ha ensombrecido a personajes muy queridos como es el caso de Hiro. De este personaje se ve mucho futuro y si al solventar la huelga de guionistas se le da un gran enfoque, este puede ser la bandera hacia el fin del tercer volumen, titulado villanos.
En torno a lo visto, hay muchas cosas pendientes, como los poderes de los 12 miembros originales de esa orden que quería salvar al mundo, al menos en su génesis.
También queda pendiente que quiso decir Angela Petrelli, cuando al lado de una bocina telefónica le dijo a su interlocutor que estaban abriendo la caja de Pandora; justo después de ver como asesinan a su hijo Nathan por querer revelar el secreto de su existencia.
Un cabo suelto es el de Noah Bennet, conocido como HRG (Horn Rimmed Glases), quien regresa a su papel oscuro a cambio de libertad para los suyos, de él, se sospecha que haya accionado el arma asesina de Nathan y seguro su papel en el desenlace de la serie, es más que vital.
También falta por conocer el resto de los personajes de los cómics de Isaac Méndez y saber si Carlos Méndez, miembro de la dinastía original de los 12, es familia del pintor.
Aún se desconoce por la problemática existente, se cambie los planes y emitan los 6 capítulos de la micro serie llamada "Héroes Origins", la cual se centrará en las historias de los fundadores de la orden y fue dirigida por Kevin Smith, un fanático al genero y por eso se pueden esperar muchas cosas.
En la onda de los rumores se dice que Sylar matará a uno de los personajes principales de la serie en los primeros capítulos del próximo volumen, que Adam podrá escaparse de la tumba y seguir atormentando a su némesis "Carpa".
También se dice que "Jessica" el alter ego de Nikki, regrese para complicar aún más la situación, en fin son rumores, pero como dice la sabiduría popular "de que vuelan, vuelan".
Hay muchas emociones para los seguidores de la serie, hay muchas preguntas en el ambiente que serán respondidas en el mes de enero, pero sin duda lo que no faltará serán sorpresas, de una las series más interesantes de todos los tiempos.

"La vida es un ratico"

"La vida es un ratico" es la cuarta producción del cantautor Juanes y la misma carece de canciones de relleno y abunda en sencillos, que sin duda conforman uno de los mejores trabajos discográficos del año.
Trece temas y un bonus track se conglomeran en este CD, letras que abren los ojos de la conciencia y una música avasalladora, hacen una combinación perfecta.
La canción "no creo en el jamás" es un himno personal que pasa del singular al plural en cada sensación de aliento que transmite para todos aquellos que necesitan vencer sus némesis, clausurar su propia versión de un averno de bolsillo.
Esta canción es un llamado directo a confeccionar todo lo intangible, para conquistar imposibles, un pedido a gritos a buscar la salida a todos los túneles que encierran, a la superación de los obstáculos que nos derriban y secar todas las lágrimas que nos inundan.
"Clase de amor" es una crónica de un desesperado atisbo de una relación en picada, de la caída que obliga a dudar y a pesar del amor presente en cada uno, es necesaria la decisión de tomar cada quien su camino, no si antes dejar la puerta entre abierta.
"Me enamora" es un poderoso primer sencillo que en sí es como el alma del disco, un claro ejemplo de lo que quería Juanes para este nuevo trabajo, una mezcla de rock con elementos de su Colombia natal, con toques retros que la hacen una canción de esas que difícilmente se olvidan.
El vídeo de la canción es hecho por Aggressive (Dan Shapiro y Alex Topeller), quienes han trabajado con artistas como Eminem y The Hives, ellos hicieron posible la realización de un vídeo impecable e impactante, uno de los mejores que se han hecho para un artista "made in Latinoamérica".
"Hoy me voy" toca las despedidas y las añoranzas de lo que nunca se tuvo, de alguien que deposita su amor en otra persona y recibe indiferencia o maltratos. Sus letras siguen el sendero del camino que parte en la entrega y terminan en el adiós, una confirmación del dicho "uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde".
"La vida es un ratico" es la que le da el nombre al álbum, una invitación que da el artista a sus seguidores a escudriñar su vida, un boleto a una galería donde se exhiben cuadros con mensajes contundentes como un iceberg en la Antártida, dejando claro que la existencia es algo finito y que en un abrir y cerrar de ojos, se puede estar en el umbral de la muerte y cuando llegue el momento, es necesario no mirar al pasado, porque siempre se veneró el presente.
"Gotas de agua dulce" es una pegajosa canción pop tropical, de esas que sirven para dedicarlas y a través de ella expresar amor a esa persona especial, cuando se acaban o sobran las palabras.
"La mejor parte de mi" narra esas conversaciones al borde de la almohada, en el silencio furtivo, viendo el rostro de la mitad, de las dudas que se extienden por los pliegues de la cama y de altar invisible que se cierne entre dos amantes, dos novios o dos esposos, cuando el silencio los cubre con su halo.
"Minas Piedras", retoma el primero tema de Juanes "Fíjate Bien" que hablaba de los dispositivos asesinos que durante décadas han borrado sonrisas y han exterminados vidas en todo el mundo y lo conjuga con la esperanza de los descamisados, de los condenados a muerte, de los seres humanos que quieren vivir y reponerse al zarpazo de la muerte. En esta canción hace dúo con el gran artista argentino Andrés Calamaro.
"Tu y yo" es una declaración de amor, una bitácora de una relación, de una textura de recuerdos, de momentos tan especiales que se atesoran en secreto y se viven una y otra vez, como si fuera una película de culto.
"Báilala" suena a la costa de la república Neogranadina, a los tambores con un vaivén oceánico. Un mensaje de paz al ritmo caribe, una invitación a desechar las amarguras para entregarse al son de la misma con total despreocupación.
"Difícil" narra la encrucijada que nace cuando una relación se hunde y se tiene que decidir entre ser un amigo o alejarse de esa persona, muestra el jardín de flores marchitas, abonadas por interrogantes y escenarios mentales de lo que tuvo que ser ese breve espacio con el ser a quien se consideró eterna.
"Tres" tiene toda la yesca colombiana, y a borde de un acordeón, se hace una sentida exposición de motivos, se fija un cartel de sentimientos y se establece una invitación a un carnaval, de esos que hacen entre dos personas.
"Banderas de manos" es una llama en la oscuridad de la intolerancia, un soplo de oxigeno en medio de un asfixiante clima de violencia. La exaltación al factor común denominador que son las manos, parte del cuerpo que sirve para estrecharnos y romper la barreras de la distancia, instrumentos sagrados de iniciación de un cálido abrazo, de las herramientas que nos sirven para expresarnos cuando la voz y los gestos no son suficientes.
Un mensaje de paz que busca acallar diferencias y atar en abismos los sonidos de las armas, de la ignorancia de atacar a otros por ser diferentes. Se cuenta con la colaboración de Campino (Andreas Frege), vocalista de la banda de punk alemana "Die Toten Hosen".
"La vida es un ratico" nació de una conversación entre la madre de Juan Esteban y él, ella haciendo valer su sabiduría ancestral para darle aliento le mencionó esta frase y por eso el artista quiso hacer un recordatorio de la brevedad del aliento vital y de como cada quien debe aprovechar para sembrar presentes, y abolir pasados, porque el tiempo está corriendo.

Los embustes de "The Marine"

Llegan a Venezuela las aventuras del héroe fílmico más grande de este año, un ex soldado americano en roles de "Guachiman" que puede acabar con un ejercito de despiadados asesinos sin despeinarse si quiera.
"The Marine" es una recopilación de los embustes más grandes de la historia del cine, a la hora que un protagonista salve a la chica linda, sin recibir disparos, ser quemado por el fuego o ser golpeado de ninguna manera.
El luchador profesional, John Cena, interpreta a John Triton, un ex Marine, que expulsado del cuerpo militar por una actitud heroica no permisada por el mando a quien debía responder en esa misión.
Ese personaje es sencillamente una copia de los roles que llevaron a la fama a los actores de acción de la década de los ochenta, es decir, "The Marine" es una copia al carbón de formulas que ya se habían olvidado.
Este ex soldado desempleado, responde al cliché más absurdo y a un fiel exponente de la Ley de Murphy, porque cuando decide ser vigilante y vivir una vida tranquila al lado de su hermosa esposa (Kelly Carlson) , se mete en problemas en su primer día y se complica y de un día para otro, pasa de ser el tranquilo celador, para ser un desesperado esposo que busca liberar a su mujer de una banda de asesinos entrenados y dispuestos a todo para lograr su misión y llevarse el dinero de un millonario atraco.
Es en este punto en que el protagonista decide ir en busca de su esposa y a lo largo de la película, muestra sus habilidades sobrehumanas, porque si aplicamos el realismo debió morir al menos 10 veces por todo lo que sorteó de manera mágica, pues ni Harry Potter tiene tanta suerte, como este personaje de acción.
El fornido protagonista tiene una serie de poderes particulares, en primer lugar está su tímpano de hierro, porque en medio de todas las explosiones de las cuales se salvó, nunca se agarró sus oídos para quejarse, porque sería normal que por la mitad de lo que pasó estuviera más sordo que una tapia.
Otras de las habilidades es tener una piel a prueba de fuego, pues en todas las llamaradas que atravesó, no sufrió quemadura alguna y aparte de eso, tiene un poder de hacer que todos los escombros encendidos pasen a milímetros de su humanidad, pero ninguna de ellos lo tocó.
De hecho las explosiones, tienen una figuración tan alta en este largometraje, que de quitarlas, la película tan sólo le quedaría una media hora de vida. Las mismas fueron grabadas con todas las cámaras posibles y son mostradas al público en todos sus ángulos, desperdiciando largos minutos de metraje en ver lo mismo, pero de diferentes puntos de vista.
Una de las secuencias más memorables es cuando dentro de un carro sin puertas, en medio de una persecución, agarró un chaleco antibalas con una sola mano y haciendo los movimientos adecuados, logró que las balas de una ametralladora rebotarán como moscas, todo esto sin soltar el volante que llevaba en su otra mano y mucho menos perder el control del vehículo.
El protagonista enfrentó a enemigos mano a mano, sin sufrir fractura alguna, hematoma o al menos una pequeña cortadura que justificará la humanidad de este personaje, que parece haber nacido en Kripton y es algún primo no reconocido de Superman.
Un punto a favor en la cinta es la participación del actor Robert Patrick como Rome, en el rol que siempre ha gustado en sus fanáticos como es el caso de ser el antagonista de la cinta. Para quienes no asocien el nombre de este actor, basta recordar que él fue el encargado de se hacer del androide malo en la segunda parte de "Terminator 2".
Patrick no decepciona como malo y le da el único peso actoral a todo el producto, porque si hay otra cosa por la cual se distingue esta cinta, es por la pésima actuación de todos los integrantes, con la salvedad antes referida.
Jhon Cena en su debut como actor, hace lucir a Jean Claude Van Damme, como un actor digno de un Premio de la Academia, logrando quizás una de las peores actuaciones de todos los tiempos, que no resulta creíble ni por un segundo.
Los guionistas también se rompieron el coco, pues los diálogos del protagonista eran sencillamente monosílabos y las situaciones que aquí se manejan, es una especie de lo peor de lo peor de las películas de "action man" de los años 80.
Esta película es para los nostálgicos de un genero casi extinto, como es el "action man", que se trata de un hombre ordinario, que se ve obligado a pelear con un ejercito de asesinos, que morirán en sus manos de las formas más bizarras, todo por una causa noble, porque si algo define a este tipo roles es el "síndrome de lamosca muerta", que se mete en rollos, sin buscarlos.
Luego de ver la evolución del cine de acción y las propuestas que tienen países como China, Japón, Rusia y Francia; es difícil regresar a viejos modelos, es como regresar del DVD al Betamax y "The Marine" es un rencauchado de géneros ya superados, que a pesar de tener muchos admiradores, no deja de ser obsoleto.
Esta película es para generar adrenalina a borde de un combo de cotufas, y a pesar de que está en cartelera, es mejor alquilarla, pues realmente no vale la pena gastar una entrada de cine en ver eso.
"The Marine" es una ventana al pasado, una muestra de como una generación se entretuvo con héroes acartonados, de donde solo se salva Jhon McClaine, de una era donde los golpes estaban por encima de la lógica, de una época ya transitada y como dice el sabio refrán "para atrás ni para coger impulso".

Los Guardianes del Día

De las manos rusas nos llega la obra maestra "Dnevnoy Dozor", mejor conocida en habla hispana como "Guardianes del Día", la segunda parte de la trilogía dirigida por Timur Bekmambetov, sin duda uno de los mejores cineastas de estos tiempos, que ha logrado en sus películas darle un visto de eternidad con su arte al celuloide que creó, cosa que en la actualidad es poco común, por el exacerbado interés mercantil que reina en la industria del cine.
Timur en el año 2004 rodó la cinta "Guardianes de la Noche", con muy poco presupuesto y se fijó en la trilogía de libros más leídos en su país, Rusia, que hablaban de la eterna batalla entre el bien y el mal y como había "un sistema" que los mantenía a raya, para conseguir el equilibrio perfecto para salvar a la humanidad.
Ambas fuerzas decidieron pelear una guerra en tiempos antiguos, y luego de horas en batalla se percataron que su poderes eran iguales y que era imposible ganar, por eso hicieron una tregua y mantener la equidad, aunque siempre fue un deseo de las fuerzas malignas, romper ese embargo y conquistar el planeta, por eso cada bando trataba de reclutar a potenciales soldados que inclinaran la balanza hacia alguno de los lados.
La trama puede ser de todo, menos clara, para seguirle la pista hay que sentarse a verla con detalle, porque perder 5 minutos de la misma, podría generar la desagradable experiencia de no entender el resto del largometraje.
En la primera parte de esta trilogía Antón (Konstantin Khabensky) en su deseo de castigar a la mujer que lo dejó por otro, invoca a la brujería para asesinar al bebe que llevaba en el vientre, sin saber que era suyo.
Este error lo lleva a formar parte de los guardianes de la noche, legión que se encarga de controlar las fuerzas del mal y con ello su futuro hijo se convertiría en el potencial factor que inclinará la balanza hacia un lado y por desprecio a su padre, se lanza a los brazos de la fuerzas del mal.
Ahora Antón trata de enmendar su error y centra sus esperanzas en una mítica "tiza del destino", que tiene el poder de hacer realidad lo que se escribe en la superficie adecuada para este fin.
Por su parte las fuerzas de la noche están tendiéndole una trampa para echarle la culpa de la muerte de un miembro de la oscuridad y así atraer a la mujer que lo ama a una trampa, para poder romper el orden establecido a su favor y así emprender una guerra en la cual la humanidad sería borrada de la faz de la Tierra, para darle paso al reino de los bebedores de sangre, de los hacedores de sombras, de los asesinos de nacimientos, quienes son capaces de dejar la muerte como un amargo legado.
En "Guardianes de la Noche", se nota como se le saca provecho a cada fotograma y como los efectos especiales son escenificados para crear imágenes duraderas y no para aturdir a la audiencia, como hacen en el otro continente.
Esta película que cuenta con actores, técnicos y especialistas de diferentes áreas "made in Rusia", dejando claro que la mal llamada meca del cine, no es el ombligo del mundo.
Por ejemplo, la escena del guerrero que conquista la tiza del destino y como salva los peligros del laberinto donde está encerrada la misma, es sencillamente espectacular y hace que el espectador se quede con la boca abierta.
Cuando en Venezuela se estrenó la primera parte, se experimentó una nueva manera de subtitular las películas, porque las letras se disolvían como si fueran sangre en agua o sencillamente eran desplazadas según los fenómenos que ocurrían en la escena, sin duda algo nuevo, un factor que se extinguió en las superproducciones americanas y que afortunadamente en países como Rusia, es norma y da esperanza de que se puedan hacer películas taquillera, sin dejar a un lado el arte.
De hecho estas películas son las más taquilleras de todos los tiempos en la antigua Unión Soviética y en algunos países de Europa, en donde se ha convertido en un verdadero fenómeno de masas y en países como el nuestro, ha sido prácticamente un fantasma de vitrinas de club de vídeo, porque el espectador promedio está acostumbrado a las películas de Estados Unidos como bandera a la hora de visitar las salas de cine.
Un consejo practico es no contemplar las cintas de Estados Unidos como la única referencia, es bueno ver lo que se hace en este país, en América Latina y en todos los lugares del planeta, donde se están haciendo cosas novedosas.
"Los Guardianes del Día" contiene varias escenas memorables y presenta una recreación diferente y muy artística de un Apocalipsis.
La escenificación de los personajes en genial, cada uno se destaca en sus roles y sin el velo glamoroso propio de películas de Hollywood, hecho que les da más credibilidad y por ello presentan poses más reales ante situaciones totalmente irreales y mágicas.
Los mismos sobresalen porque son una expresión de rebelión a los arquetipos tradicionales y las tildes se las pone su interacción con el mundo urbano, con las calles de la Rusia de estos días, una nación que por cierto es presentada en este filme como un país ajeno a lo acostumbrado a ver en cintas de su rival en la extinta guerra fría.
"Dnevnoy Dozor" debe formar parte de la vídeoteca de cada cinéfilo amante de la acción y del terror, pues con su despliegue de efectos especiales, no pierde la inocencia y las ganas de proponer, sin sucumbir a los demonios de las taquillas.

Las riquezas de un Rey de California

La salida de los laberintos de la mente de Charlie, era el oro, era un tesoro escondido en California por siglos; ante él unas puertas abiertas y la visión tranquilizadora de su hija adolescente que lo esperaba en la salida de una institución para enfermos mentales, con una vorágine de preguntas por dentro y un signo de interrogación como única estrategia para su porvenir.
Por su parte Miranda veía a su padre con una tupida barba salir de su encierro y con él la certidumbre que reinaba en su vida se desmoronaba abruptamente y no la ayudaba escuchar a su padre hablar de fábulas e incoherencias, mientras regresaban a su casa.
Entre este par de personas había un abismo que lo separaba, Miranda había quedado sola por culpa de las locuras febriles de su progenitor y por la salida fácil que tomó su madre, al abandonarlos a su suerte.
Charlie sabía que tenía que reconquistar a su pequeña, pero sus deseos por descubrir el tesoro, lo obligó a darle un golpe de estado a la situación y tratar de meter a su hija en esta extraña búsqueda que los llevó a un río atestado de olvido, sepultado debajo de un concurrido supermercado de la ciudad.
Mientras que Charlie emprendía su quimera, el mundo que construyó con sus interpretaciones musicales en varios locales de Estados Unidos, comenzaba a desvanecerse, la casa donde nació se caía por el pasar del tiempo y lo que era antes un apacible desierto, ahora era una pujante urbanización, que lo asediaba en silencio.
Miranda pasaba su vida sumida en rutina, trabajando para cadena de comida rápida, con un esquema que le funcionaba para sobrevivir, pero que le restaba pasión a su existencia y para colmo de males su padre había empeorado su situación, llenando la casa de trastos sucios y de problemas que atentaban en contra de la efímera tranquilidad que había confeccionado en ausencia de sus figuras paternas.
Charlie le contó como obtuvo la información de ese tesoro por Internet y como su deducción que un religioso que vivió hace varios siglos, enterró el secreto el mismo usando fórmulas matemáticas para su encubrimiento y por eso se sumó a la empresa de conseguir una caja llena de doblones españoles.
Miranda fue cayendo ante la entrega de su padre y decidió acompañarlo, en primera instancia para protegerlo de sí mismo y en segundo lugar por la soledad que la embargaba, que cada vez más carcomía su alma.
En medio de todo ese itinerario, ambos personajes se acercan y en medio de la bitácora de los recuerdos, cada quien mira las razones de los hechos que invaden sus pasos actuales y llegan a conclusiones sobre el rol de cada quien y cómo se han complementado, a pesar de las circunstancias que lo han llevado a estar desfilando al borde de una caída libre, de un fin, cada cual a su medida.
Michael Douglas, hace una gran actuación, quizás una de sus mejores, con una dualidad muy natural entre el drama humano y la comicidad de la locura de su personaje.
Para los amantes de las buenas actuaciones, esta película tiene mucho que ofrecer, sin elementos que distraigan a las escenificaciones de los protagonistas, quienes se lucen, gracias en parte a un excelente guión.
Evan Rachel Wood se luce al lado de Michael Douglas, con una interpretación de una gélida menor de edad, abandonada por sus padres y por eso ha tenido que dejar a un lado las vivencias tradicionales de esa edad, para darle paso a una mujer aguerrida que trata de conseguir la salvación de sus días, aunque eso le costará parte de su alma.
Nacida el 7 de septiembre de 1987, Evan Rachel Wood, es una joven promesa del cine que a pesar de u demostrado talento y su juventud, no ha caído a las tentaciones de la industria y por eso ha buscado participar en proyectos independientes y de calidad, antes que el cintas taquilleras, como haría cualquier actor adolescente promedio.
Su inicio fue duro y participó como actriz en varias películas independientes al igual que en series, hasta que con "Thirteen" recibiera el reconocimiento que se merecía con la interpretación de una adolescente de trece años de edad que sucumbe ante las tentaciones de la vida.
También es conocida por protagonizar el vídeo de Green Day "Wake Me Up When September Ends", en donde echa mano de su calidad como actriz.
"King of California" es un filme sin el esplendor de una gran producción, pero sin duda es una gran película para ver con toda la familia y ver que a pesar de las diferencias existentes entre seres humanos, el amor reluce como lenguaje universal, capaz de unir y cohesionar a estos seres, en una entidad superior, guiada por el cariño y por las ganas de compartir cada segundo entre ellos.
Este filme muestra que no siempre la vida nos trae cosas buenas y cuando llegan las adversidades, hay que crecer para enfrentarlas y que lejos de sufrir por eso, aprender de esas caídas, para resurgir como un mejor ser humano, y con ello ayudar a quien se desvanezca entre sus calamidades.
El rey de California, muestra que las riquezas más importantes que puede tener un ser humano, no es el dinero, la prosperidad, ni siquiera la suerte; el verdadero tesoro es tener una mano amiga que te ayude levantarse cuando todo el mundo se diluye a tus pies, es poseer una sonrisa cálida en los momentos más fríos, es ser dueño de una gema preciosa de valor incalculable, que es el amor.

El cantante y sus pecados fílmicos

En medio de un laberinto de humo de cigarrillo, emerge la tez pálida de un cantante que está en la cima del corazón de sus fanáticos y del mundo en su idioma, pero que está en las profundidades de su propio infierno.
"El Cantante" es una de la película más esperada por los venezolanos por el gran estima que se le tiene al personaje central de esta entrega cinematográfica, nada más y nada menos que Héctor Lavoe.
Esta película que llega de las manos del matrimonio de Jennifer López y Marc Anthony, complace a muchas personas que quisieron ver la vida de este artista en la gran pantalla, aunque varios errores en la ejecución de esta presentación cinematográfica, desvirtuaron la intención e hicieron posible que se desviarán del camino.
El pecado principal de este largometraje es el incansable afán de exaltar la figura de Jennifer López y eso causó un severo desequilibrio, entre quien debió ser un papel de importancia y el rol que en teoría tuvo que ser el principal, es decir a Marc Anthony en su personificación del "cantante de cantantes".
Si se le hubiera quitado la mitad de los berrinches del papel de JLo, una mujer con el mote de "La Puchi" se pudo profundizar en aspectos de suma importancia en la vida de este cantante que nació en Ponce en Puerto Rico bajo el nombre de Héctor Juan Pérez Martínez.
De hecho desde un mismo inicio se nota como se quedaron por fuera elementos de importancia en la vida del personaje, como la muerte de su madre y su formación como cantante que lo llevó a los escenarios locales a cantar, cuando apenas tenía 14 años de edad.
El asesinato de su hermano, es tímidamente mencionado por el actor que encarnaba a su padre, cuando este trataba de convencerlo de que no fuera a los Estados Unidos a buscar una mejor vida.
Por el contrario se invierte un tiempo enorme en el inicio de la relación de Héctor con "La Puchi", cuando la idea se pudo simplificar de manera extraordinaria, sin que la misma perdiera su esencia. Irónicamente no se incluye a la madre de esta joven, quien como suegra conquisto el corazón del cantante y se convirtió en una especie de madre para él, a tal punto que cuando fue asesinada décadas después, Lavoe, cayó en una de sus más profundas decepciones.
También en la cinta se plantea el inicio de la carrera de este artista, cuando, cantando en clubes locales fue descubierto por la gente de la Fania y se propuso cantar al lado de Willie Colón y su banda, algo que cambio la historia de la música y así este dueto que se conoció como "The Bad Boys", comenzó su escalada a la cúspide de la salsa y de la inmortalidad.
En este particular la película se destaca, recreando el mundo de ese entonces y el arte de las portadas de sus discos de larga duración, de una manera espectacular.
El director cubano también lleva a la pupilas de los espectadores, a "la voz" en medio de un escenario, magistralmente, levantando una serie de emociones a quienes la ven, tanto como a los que vivieron esos momentos y a los que conocieron al cantante por su legado.
Uno de los aspectos más negativos es la actuación de John Ortiz como Willie Colón, y su falta de credibilidad le restó emoción y fuerza a las escenas cruciales que protagonizó con Marc Anthony, especialmente en que esa sociedad se disolvió por los problemas de Lavoe con drogas.
Para muchos fue negativo el enfoque que se le dio a la vida de Lavoe y su acentuación en su adicción a las sustancias prohibidas, algo que no se puede ocultar y representó una de las faces más oscuras del laberinto que llamó a este músico al fin de sus días como ser humano y al inicio de su concepción como leyenda.
En la intención clara de subir a Jennifer López se creó una óptica del esposo abusivo y ella la pobre esposa que sufría a cada momento y por eso se intento justificar lo injustificable, y por eso lo más importante del legado de Héctor quedó relegado a la nada.
Es insólito que se concentrarán tanto en su adicción y no mostraran momentos como su primer salto al vacío en un incendio, la muerte de su suegra, sus años finales en que perdió la voz y era obligado por sus manejadores a presentarse en uno de los momentos más tristes de la salsa en línea generales.
Tampoco se escenificó el impacto de su música a las personas de América Latina y como sus contundentes mensajes salvaron a muchos de caer en la perdición, y le mostraron en camino a parte de una generación que necesitaba una voz que la consolara.
Se hizo referencias muy pobres al accidente mortal de su hijo, al intento de suicidio en Puerto Rico, a la muerte de su padre, al fallecimiento de su suegra y a las razones reales que lo llevaron a quedarse prendado de las drogas, cosa que deja mucho que desear y en ello se radica la crítica de muchas personas a la película.
La actuación de JLo, no es una de sus peores, pero tampoco es extraordinaria y por eso, con el pasar de los años será materia de olvido. Por otro lado Marc Anthony, hace una buena interpretación y logra conectarse con su tarea y en muchas escenas tiene un parecido asombroso con Héctor Lavoe.
Al director cubano León Ichaso, le faltó valor para abordar situaciones difíciles y darle el peso debido a cada uno de los roles, pero al final hace una película que levantará comentarios y será vista, porque viste con un traje de celuloide a la voz que arrulló a un sentimiento, que conquisto titulares de página entera y que estará por siempre en los periódicos de ayer y hoy.

Stardust: "el misterio de la estrella"

Hace menos de una década, pocos estudios de cine apostaban a llevar a la gran pantalla historias épicas y menos si las mismas estaban sazonadas con la magia de la literatura fantástica.
En esos días una película de esa naturaleza era para obtener un premio de la academia, porque en taquilla la misma no daba los resultados esperados por los directores de estas empresas.
Una muestra de ello, fue la película "Waterworld" que se estrenó en 1995 con el calificativo de ser "la más cara de todos los tiempos" con un presupuesto de 175 millones de dólares y a pesar de todo esto, esta cinta naufragó rotundamente en las salas de cine.
Cuando llegó Peter Jackson con su adaptación de "el Señor de los Anillos" nadie pensó que esas cintas se convertirían en una de las franquicias más rentables de la historia del cine y una de estos largometrajes "El Retorno del Rey" se convirtiera junto a "Ben Hur" y "Titanic" en miembros de la realeza de los premios de la academia, al obtener once estatuillas doradas.
A partir de este éxito Hollywood se volcó a este género, buscando ganar dinero en la boletería y se revivieron clásicos de la literatura en busca de este propósito, haciendo sacrilegios como el caso de "Una Serie de Eventos Desafortunados" donde mezclaron varios libros en una solo largometraje con Jim Carrey como protagonista.
La mayoría de estas adaptaciones se hicieron para el mercado de los más pequeños y por eso se le restó su carácter bélico, para dar paso a una óptica "Disney", que hace que todo pierda el sazón, para arrodillarse ante el trono del "happy ending".
"Stardust" conocida en el mercado venezolano como "El Misterio de la Estrella" viene para satisfacer a las personas que quieren ver una historia épica, llena de personajes mágicos, pero con una orientación más adulta, con un sentido de humor más oscuro y con muy buenos efectos especiales.
Basada en la obra de Neil Gaiman y las ilustraciones de Charles Vess, los guionistas Jane Goldman y Matthew Vaughn (director de la película), se sumaron a la labor de llevar esta novela al séptimo arte, buscando un producto innovador, dentro de este rubro que se ha vuelto común dentro de las temporadas de estrenos de los últimos años, logrando una cinta diferente al resto, con mucho humor y gran peso en sus actores y no en sus efectos especiales que dicho sean de paso, son bastante buenos.
El inicio de la historia se torna en tres puntos diferentes, aunque relacionados entre sí; en primer lugar la osadía de un joven de cruzar un muro prohibido y llegar a los terrenos de la tierra mágica de Stormhold y su posterior aventura con una princesa que daría el nacimiento a una criatura.
El segundo de los tópicos que dan inicio a la trama es el amor no correspondido de Tristán (Charlie Cox), quien está enamorado de Victoria (Sienna Miller) y para conquistar su amor le pide conseguir una estrella fugaz que impacta dentro de los terrenos vedados por el muro.
También en el trono de esta mágica ciudad, el rey (Peter O'Toole) a punto de morir decide hacer una competencia a sus hijos sobrevivientes para ocupar su lugar, al restaurar una gema mágica, que se adicionó en una estrella fugaz que aterrizaría en un lugar lejano del reino.
La estrella dentro de estos dominios mágicos se convertiría en una hermosa joven llamada Yvaine (Claire Danes), quien es prontamente conseguida por el enamorado Tristán, quien trata de conducirla a su amada, para convencerla que él es el amor de su vida.
Por su parte la malvada bruja Lamia (Michelle Pfeiffer) y sus dos hermanas, necesitan el corazón de la estrella para restablecer su juventud y salen a buscarla para asesinarla y recuperar su belleza.
Poco a poco los hijos del rey se van asesinado entre sí para resumir el enfrentamiento entre Primus y Séptimus, lo cual desemboca en una competencia por conseguir la estrella y poder restaurarla y así hacerse con el poder.
Cuando todas estos personajes tratan de echar guante a la estrella, se da una lucha intensa con mucha magia y armas, lo que obliga a los protagonistas huir del lugar, quedando presos en las nubes y en ese lugar fueron rescatados por el barco del afanado capitán Shakespeare (Robert De Niro).
Dentro de esta embarcación se miden de frente con este personaje con fama de malvado, quien esconde un oscuro secreto para su tripulación.
Robert De Niro es un gran actor y este rol le imprime una de sus facetas más acertadas que es la que está impregnada de humor, logrando una escenificación fascinante, llena de buenos momentos que hacen reír a carcajadas a la audiencia.
Por su parte Michelle Pfeiffer tiene una gran participación como antagonista, siendo una gran enemiga para todos los personajes de este largometraje, y a pesar de eso su interpretación no pierde frescura ni se deja apabullar por la presencia de otros grandes actores dentro de este filme.
"Stardust" es una cinta para todo público, con buenas secuencias de acción, entre las cuales destaca el duelo de espadas entre un cadáver y el protagonista.
Para quienes deseen verla, encontrará en ella unos cuantos minutos de humor, agradables momentos y la certeza que el amor se esconde en cualquier parte y que muchas veces los misterios de las estrellas, son los mismos de la humanidad, capaz de hacer todo lo necesario por no perder la oportunidad de entregarse a este maravilloso sentimiento.

Los desatinos de los premios MTV

Luego de una excelente campaña publicitaria y muchas expectativas llegó el pasado jueves 18 de octubre la nueva edición de los premios MTV en su versión latinoamericana, pero en su escenificación se dieron muchos desatinos y varios desaires que recibieron los "protagonistas de la velada".
Esta ceremonia que se realizó en la ciudad de México, arrancó con mal pie, con la exclusión de la banda Café Tacuba del cartel de la noche, porque los mismos participaron en otros premios.
Para nadie es un secreto que cuando la idea de los premios MTV latinoamericanos estaba en pañales, fueron los tacubos junto con Molotov y Juanes, los que siempre dijeron presente y ayudaron a estos noveles galardones a ganarse el cariño de la audiencia.
La jornada arrancó con la canción "Friday in Love" de la banda The Cure, seguida inmediatamente con el sonido latino de Juanes y su nuevo sencillo "Me Enamora", lo cual generó un estallido de aplausos en el público.
Segundos después entró un corto del presentador Diego Luna, que buscaba sembrar conciencia en la juventud sobre el daño al medio ambiente, hecho que fue recibido por los adolescentes presentes en el escenario de manera fría, por no decir nula, ya que era obvio que muchos de ellos no le importaba su futuro, sino el presente en esos galardones.
La mítica voz de Alex Lora del grupo El Tri, fue la encargada de conducir los espacios previos a los avances comerciales, hecho que fue bien recibido por la audiencia.
El primer premio de la noche a mejor banda o dúo, lo recibió la agrupación mexicana, Maná, y Fher su vocalistas repitió la escena de ediciones anteriores al arquearse ante el micrófono y dedicarle el premio a las bandas que están en un garaje, en un bar, tratando de hacerse famosos, sin duda un discurso de agradecimiento prefabricado, que necesita refrescarse para las próximas ocasiones.
La hermosa Martha Higadera junto a Airbag, presentaron a la canadiense Avril Lavigne, quien inició su presentación con tema "When you¥re gone" para la satisfacción tísica de sus fanáticos que cuestionan su primer sencillo "Girlfriend", el cual cantó seguidamente con una tosca coreografía basada en sus movimientos robóticos de cadera.
RBD anunció los premios al mejor artista pop y este hecho lo aprovechó Cristian Chávez de la referida banda para zambullirse en el público; luego del pequeño desmadre, Julieta Venegas se alzó con la distinción".
Minutos después se subieron a la tarima, tres pronósticos de la industria como lo son los hermanos Jesse and Joy, División Minúscula y Kudai, quienes ataviados como ángeles de la destrucción, sufrieron una suerte negra como su ropaje al tener problemas con el sonido.
Las intensas lluvias generaron problemas y un corte de luz que mantuvo los premios fuera del aire por un lapso de 15 minutos, tiempo que el presentador Diego Luna aprovechó para calmar a los presentes con los mejores chistes de la noche, los cuales los televidentes no vieron.
Al reanudarse la ceremonia, los Babasónicos se alzaron como mejor artista rock y se llevaron su lengua, que le ha resultado esquiva durante todas ocasiones en que han sido nominados.
La banda del actor Jared Leto, 30 Seconds to Mars, interpretaron "From Yesterday" y casi al final la cantante Ely Guerra se sumó, demostrando que es una de las mejores voces de hablahispana.
La preciosa Luisana Lopilato dio paso a la presentación de Belinda quien cantó Bella Traición con una serie de acompañantes trajeados de héroes de la independencia, bailarinas de ballet y hasta una muñeca de trapo con tez radioactiva.
Segundos después Juanes se llevó la lengua blanca por sus actividades humanitarias e hizo un llamado a la juventud a dejar de pensar y actuar para cambiar al mundo que lo necesita.
Hillary Duff y Plastilina Mosh salieron a escena e hicieron su trabajo a la perfección y al bajarse del escenario, Paulina Rubio en compañía del venezolano Wilmer Valderrama, presentaron el premio a la canción del año, que se lo llevó Avril Lavigne con "Girlfriend".
Esta canción ha despertado la furia de algunos de sus seguidores, quienes la acusan de venderse, cosa que es tonta, porque cada artista tiene el derecho de llevar su música a donde quiera.
30 Second to Mars y la ganadora, en un español remendado anunciaron a Belinda como la triunfadora del vídeo del año e inmediatamente las pitas y unos fans descontrolados hicieron que la mexicana no diera las gracias al director de ese corto musical, cuyo trabajo es más esencial que el de la propia cantante.
Beto Cuevas fue el maestro de ceremonias para el premio influencia que era una lengua negra, la cual recibió Robert Smith y su banda The Cure.
Molotov cantó Yofo, acompañado de un coro de "silbones" a los cuales se unió el propio Diego Luna.
Maná ganó como artista del año y cuando Fher pretendía repetir el discurso de los músicos, las pitas hicieron posible que abandonaran el escenario de manera inmediata.
Kudai, Miranda y Fobia, cerraron con la canción "De Música Ligera" de Soda Stereo, un gran cierre, el cual remataron con la gracia de cantar la eterna frase "Gracias Totales".
En esta edición se vio una discrepancia en los resultados de los votos con los presentes, quienes abuchearon a los grandes ganadores de la noche, cosa que deja en duda la transparencia de los resultados.

La escabechina y el héroe Calico Electrónico

Se ha escrito una escabechina y ha llegado la tercera temporada de Cálico Electrónico y el misterio de un asesinato y tres sospechosos que darán mucho de que hablar.
Cálico Electrónico regresa a la pantalla de los ordenadores, luego de ser secuestrado por el extraño villano Lane Trola y ser salvados por unos atípicos héroes llamados los huérfanos electrónicos en un Spin Off de esta popular serie digital.
En el site http://www.calicoelectronico.com/ ya se puede ver el primer capítulo de la tercera temporada donde se plantea el asesinato del Chacho Migué y Cálico deberá resolver el misterio y para ello deberá interrogar a tres sospechosos y confrontarse a un mayordomo con aires de gitano.
Cálico Electrónico se ha convertido en menos de dos años en un fenómeno de masas, promediando millones de visitas en su web y su personalidad ha sido la clave de este aceptación masiva.
Este personaje fue pensado en un inicio como una mascota para la tienda digital Electrónica Web y en un intento de mercadeo se decidió darle una serie de 6 capítulos a este personaje, sin saber que generaría un impacto en la cultura de Internet de grandes proporciones.
Este producto fue invadiendo las páginas web y foros en España en los primeros capítulos y cuando llegó el boom del episodio "Historia de Amor" ya este repartidor de justicia había conquistado el resto del mundo de habla hispana.

Se acabó el cachondeo
Cálico en sus dos temporadas ha creado una serie de frases que han quedado impresas en el léxico de sus fanáticos, tal como ha hecho Andrés López en sus hilarantes monólogos.
En España y algunas ciudades de América Latina es común escuchar oraciones como "se te acabó el cachondeo", "agua caliente, quema bebe (se usó en la película Rain Man)", "te va a faltar cielo para dar tantas vueltas", entre otras.
El impacto cultural de los personajes de la serie y del propio Cálico ya ha llamado la atención de medios de comunicación como El País y El Mundo de España, al igual que de la BBC de Londres, quienes han dedicado extensos espacios a entrevistar a los creadores de la serie e incluso ha reproducir los capítulos de esta serie de animación en flash.
La empresa publicitaria que creó este seriado es Nikodemo Animación y sus mentes creativas han sabido lidiar con la fama de su héroe y han creado otras series con personajes que han destacado como es el caso de los niños mutantes del San Indelfonso y Lobohombre, al igual que su alterego "Chemita" quien es nada más y nada menos que José María Aznar ex presidente del gobierno español.

En ausencia de Calico
Luego del cierre de la segunda temporada de Cálico Electrónico, salió la serie Huérfanos Electrónicos, la cual parte de la desaparición del superhéroe de Electronic City y de las acciones delictivas que estaban creciendo sin control.
Niño decide hacer un casting para encontrar nuevos héroes y de ahí son elegidos Ardorín, el sobrino de Cálico; Filigrana un geek con mal carácter; Pisuka, una ninja que es incapaz de acertar cuando usa sus armas de guerra; Capitán Torpedo, quien posee unos cohetes que se activan de improvisto y a pesar de lo errático de su accionar, son de gran utilidad.
Este disfuncional equipo serán liderados por Muzaman, el gran amigo de Cálico Electrónico, dueño de la tienda donde se surte de armas el protagonista.
Con sus tácticas bastante particulares este grupo de súper desastrosos, logran vencer a los malos y regresar a Cálico Electrónico a su "pose molona".

Los azotes de barrio como espías
Teenage Muntants Brother Agents, fue la siguiente incursión ajena a Cálico y los protagonistas fueron los niños mutantes del San Ildelfonso, quienes se parecen notablemente a las chicas superpoderosas, aunque bajo una óptica más mórbida.
Alarico, Witerico y Chindasvinta, tendrán que descifrar los planes de un nuevo villano y con su peculiar estilo de hablar que se basa en una grosería a su enésima potencia y su adicción a las sustancias psicotrópicas, tendrán que mostrar su faceta de héroe.

Las aventuras fílmicas de Lobohombre
El Lobohombre y zombón es una serie que hace justicia a los intentos de este peludo villano de desatacar en la serie, porque siempre que lo intentaba, salía con las tablas en la cabeza y abandonaba la escena en pleno llanto perruno.
Luego de tener más participaciones estelares en los Huérfanos Electrónicos, donde hizo la performance de la canción "Sopa de Caracol" y se sumó al equipo para vencer a Lane Trola, el escribano y un ejercito de soldados que imitaban a Robert De Niro en sus diálogos en la película Cabo de Miedo.
Ahora convertido en una estrella de cine junto a su amigo Zombón, regresa para contarle a sus fanáticos cómo llegó a la fama, recreando escenas míticas de la historia del séptimo arte.
Zombón es un muerto viviente que pierdes sus extremidades con facilidad, mientras que su compañero extravía la estabilidad cada vez que lo regañan, porque rompe en llanto.
Entre las películas que parodian en este capítulo están "Gladiador", "Titanic", "El Mago de Oz", "Forrest Gump" y el vídeo Thriller de Michael Jackson.
Quien no conozca a Cálico Electrónico puede ver los capítulos en Youtube y al colocar este nombre en el buscador salen los capítulos de la temporada 1 y 2, debidamente identificados en el orden que corresponde, aunque nunca esta demás comenzar con el episodio de Historia de Amor.
Este personaje se ha convertido en un icono por ser un protagonista ocurrente y con un humor sin precedentes.

The Ultimate Gift y el don de la vida

La muerte tiene la cualidad del mimetismo y por ello cambia de apariencia según la definición de la persona que se encare con ella y la obligue a responder preguntas.
Perder a un ser querido puede generar una serie de sentimientos diversos, algunos tristes, adversos y otros de paz por el descanso eterno de esa persona a quien tanto se quiso, pero lo que es inevitable es la cantidad de preguntas que cada quien se hace sobre la manera como se trató en vida a quien hoy no está entre nosotros y si realmente se honró toda su existencia.
"The ultimate gift" parte de un entierro del patriarca de una familia y de como sus hijos se disputan su gran fortuna, mientras que el resto de la familia espera su parte del botín de una de las empresas más prosperas de los Estados Unidos.
James Garner interpreta a Red Stevens, el abuelo millonario quien piensa muy bien las cosas antes de morir y decide tratar de cambiar la vida de uno de sus nieto, quien a su juicio es uno de los pocos que puede salvarse de sus descendientes, ya que la gran cantidad de ganancias de su vida como empresario había borrado su legado humano, destruyendo los valores de los suyos, hecho que le causaba una gran pena.
Drew Fuller le da vida a Jason Stevens, el nieto de Red, quien es despojado de sus riquezas y de su vida cómoda y es obligado a trabajar en un rancho de un amigo de su abuelo, para que aprenda el valor del trabajo.
Su abuelo a través de vídeos que dejó grabados antes de fallecer se dirigía a su nieto y le explicaba entre otras cosas que el dinero sólo era útil si se usaba de una manera correcta y que el mismo al ser manejado de manera febril traería consigo una vida vacía.
Jason poco a poco ve como su novia y sus amigos le dan la espalda porque no tiene los recursos de antes y se encuentra sólo en el mundo al ver que está en desgracia pocos son lo que deciden ayudar.
Al entender el hecho de que en su entorno valía la premisa de "cuanto tienes, cuanto vales" el joven se encuentra de nuevo frente a la imagen de su abuelo que le habla sobre la soledad del dinero y por eso le pide que consiga a un amigo verdadero en un lapso de un mes, una vez que no tiene nada de efectivo en sus bolsillos.
En medio de su desesperación conoce a una niña llamada Emily (Abigail Breslin) y a su madre Alexia, quienes han sido ayudadas de manera indirecta por el abuelo de Jason y por la mente abrumada del atribulado muchacho pasa la idea de tratar de negociar una amistad ficticia con la niña para lograr su cometido y poder recobrar el dinero.
A partir de ese momento, Jason, experimentará cosas nuevas en su vida, cuando se entere de la verdad de Emily y comience a entender que el poder no es todo en la vida y que en las cosas simples hay placeres que nunca se imaginó.
A partir de ese momento, su abuelo guió sus pasos en una serie de juegos y pruebas, que lo iban llevando a un viaje para encontrarse a sí mismo y en él las respuestas que desde niño quería poder escuchar.
En la ruta que tomó se encontró con un peligro que casi le costó la vida, pero que lo ayudó a encontrarse con la razón de la muerte de su padre y de los misterios que le escondía el gran Red.
Este filme es dirigido por Michael O. Sajbel, quien presenta una historia llena de mensajes para toda la familia y quizás por eso ha conseguido tantos detractores dentro de la crítica, de esa que ataca películas con mensajes positivos y venera a los productos para adolescentes repletos de efectos especiales.
"The ultimate Gift" no es una película que cambiará la historia del cine y mucho menos puede ser la gran ganadora de un certamen de premios de la academia, pero cumple a cabalidad su misión, que es dejar un contenido a la audiencia, algo que cada vez se ve menos en la industria que se preocupa más por la taquilla que por lo que va a quedar en las personas que vean sus producto.
Uno de los puntos más interesantes es ver la evolución de quien para este servidor es la mejor actriz de su generación, como es Abigail Breslin, quien ya deslumbró por su rol en "Little Miss Sunshine" y que ahora regresa para ofrecer una gran actuación que apabulla a sus compañeros del elenco.
Abigail Breslin a pesar de ser una niña ya tiene una nominación a los Premios de la Academia y sin duda va a ganarlo dentro de poco y su desempeño en esta cinta, demuestra su calidad a la hora de encarnar papeles difíciles.
Lamentablemente los protagonistas de esta película Drew Fuller y Ali Hillis, no le dan la fuerza que necesitaban sus papeles y esto puede ser un punto débil dentro de la historia, aunque su desempeño no es nefasto.
Este filme regala a la audiencia palabras de aliento y proyecta el axioma que cuando una persona muere, lo que debe perdurar es su legado, su alegría y sus enseñanzas entre quienes le sobreviven.
La vida es una serie de altos y bajos, pero lo que la ayuda a sostenerse son las cosas que se hacen de corazón, de esas que encienden la chispa que se lleva por dentro.
Dentro de ese viaje también es importante entender que los amigos verdaderos son los que están contigo cuando realmente los necesitas, que para ayudar a alguien no es necesario imponer un método de salvación, sino orientarlo a entender las razones por las cuales debe transitar otro sendero, tal como hizo el abuelo Red con su querido Jason, porque al concluir la existencia todo se mide con acciones y no con logros de billeteras, porque al final la vida es todo el amor que has dado.

Knocked Up y el regreso a la realidad

El amor tiene formas misteriosas y extrañas de manifestarse, basta con hacerle la pregunta a cualquier pareja como se conocieron y se encontrarán respuestas de todas los calibres, porque cada quien tiene una vivencia particular del momento en que conocieron a su media naranja.
Lamentablemente, Hollywood no tiene esa diversidad a la hora de hacer películas románticas y casi todas pueden ubicarse en tres grupos: los filmes en que uno de los protagonistas muere; el de la pareja que sufre por los antagonistas que evitan a toda costa que los que adornarán el beso final de la cinta puedan amarse; y las que terminan en un aeropuerto o en su defecto en la parada de autobús.
En ese mundo de caras y cuerpos perfectos de los largometrajes de romance, se ha perdido el espacio de la realidad y presentan ideas disparatadas como el fantasma que se enamora de un mortal; ángeles abdicados ante una sonrisa de mujer, sólo por citar algunos.
El cliché ha sido el enemigo de este género que lo ha llevado a caer en tantas repeticiones que en mucho de los casos da la sensación de que al ver una las has visto todas.
De este tipo de filmes se salvan pocos títulos como es el caso de "cuando Harry conoció a Sally"; "olvídate de París" y en la cual se centra el escrito de hoy, "Nnocked Up" o como se le conoce en castellano "Lío Embarazoso".
Esta película tiene como epicentro el encuentro casual de dos personas muy diferentes, que por obra y gracia del alcohol, las ganas y las hormonas, finiquitaron el encuentro entre sábanas y lo perduraron con la nimiedad de dejar a un lado la protección ante el deseo del momento.
Allison Scott (Katherine Heigl), es una periodista que trabaja para el canal E, quien recibe la oportunidad de salir en cámaras y evolucionar como profesional hacia el tope y por ello decide salir con su hermana a celebrar y ahí se consigue con su antítesis, lo cual no le importo, porque era una persona desechable para pasar el rato, sin saber el poder de la frase que dice "si quieres hacer reír a Dios, cuéntale tus planes".
Ben Stone (Seth Rogen) es un vago profesional que vive en una especie de casa comunal con sus amigos, que sin duda son una liga de fenómenos, quienes dedican sus vidas a filosofar, sembrar hierba y fumarla después, viendo pasar los días en el calendario sin ningún tipo de preocupación, salvo estar abastecidos de drogas, pornografía y comida.
Estas dos almas que no tienen nada de gemelas se verán enlazadas por un embarazo no deseado, que enfrentará el miedo de Allison de perder su carrera de periodista exitosa y de afrontar este hecho sin el padre de la criatura; mientras que Ben ve tambalear su mundo tranquilo, para asumir su nueva vida y afrontar la despedida de sus amigos y de la comodidad de él mismo de hacer lo que quería ser, de ser libre como el viento para ajustarse a la cintura de una mujer complicada, llena de complejos y con la obligación de ser la más fuerte en la relación, por las debilidades de él como ser humano.
Este filme tiene un elemento positivo, que es su intento de salirse de lo cotidiano del género al plantear la relación entre una hermosa periodista en su carrera al estrellato con un chico promedio, con kilos de más, que le gusta fumar hierba y que ha decido pasar su vida, esperando que la fortuna llegue a su puerta.
Los nueves meses posteriores a ese encuentro serán suficientes para que cada quien se conozca y aprendan a aceptarse, aunque en el proceso sea necesario abordar algunos cambios por el bien de la persona que está en camino.
"Lío embarazoso" es un viaje por las diferencias que hacen posible la diversidad en la raza humana, es un mensaje de tolerancia y de madurez, porque enseña que las cosas que durante muchos años fueron excelentes, dejan de serlo cuando llega la responsabilidad de responder a una nueva vida.
El director de esta cinta es Judd Apatow. el mismo de "Virgen a los 40", con la cual se convirtió en uno de los más cotizados del séptimo arte, al crear un éxito gigantesco con poco presupuesto.
Con esta nueva puesta en escena, Apatow, repite el triunfo de hacer una película aclamada por la crítica y por los espectadores, partiendo de un punto poco conocido en la gran pantalla, aunque en la vida real es algo por demás cotidiano.
Con la presencia de actores como Paul Rudd, Jay Baruchel, Jonah Hill y Martin Starr; está película tiene un reparto de futuras estrellas que están marcando la pauta a la hora de hacer comedias como "Virgen a los 40" y "Superbad".
Este grupo de actores jóvenes imponen su talento, poniendo algo más que presencia, pues en la mayoría de los casos escriben los guiones de las películas en que participan y con proyectos económicos hacen buena taquilla, hecho que está comenzando a llamar la atención de los estudios que ven en ellos una alternativa rentable en este tipo de géneros que han perdido el toque de sus años de gloria.
La temática de los "bombazos" de taquilla son más cotidianas y se centran en situaciones comunes y personajes que pueden verse en cada esquina y hasta puede formar parte del círculo de amigos, acercando el género más al espectador.
En "Lío Embarazoso" hay cosas interesantes como la actuación de Ryan Seacrest, quien recibió un premio Teen Choice Award por la categoría de mejor rabieta en una película.
Esta cinta es una opción para ver algo diferente, que enseña sobre responder a las consecuencias de nuestros actos y que el amor puede estar en todas partes.

María Cecilia Cubillán Hidalgo: La pasión flamenca hecha mujer

María Cecilia Cubillán Hidalgo es música, toda ella es un lenguaje en notas y compases; una hermosa dama que respira el arte flamenco, el cual lleva en sus venas y lo acentúa con los caracteres de su alma; su sonrisa es como una bulería, su mirada es una cantiña, su voz es un fandango, su andar suena a castañuelas y sus movimientos son tan elegantes como los de un torero cuando embiste a una fiera embravecida en medio de la arena.
María Cecilia es una exponente de la mujer venezolana de hoy en día, una fémina que no le teme al porvenir y se traza su propio sendero, porque como dijo el poeta español Antonio Camacho "caminante no hay camino, se hace camino al andar, al andar se hace camino, y al volver la vista atrás, se ve la senda que nunca se ha volver de pisar".

Un día de diciembre
Esta linda joven de tez almendrada nació en la ciudad de Valencia un 5 de diciembre de 1985, y a pesar de que hoy cuenta con 21 años de edad, ha hecho un largo camino en el mundo de flamenco, teniendo en su haber más de una década de bailes y compromiso con este arte.
A los cuatro años inicia el testimonio de sus pasos y comienza su formación en el Hogar Hispano de Valencia, bajo la tutoría de Maricruz del Sacromonte y José Blanco, quienes guiaron todo su aprendizaje por un lapso de 16 primaveras.
Durante su vida se ha dedicado a mejorar sus destrezas y es por ello que recibió clases de profesores como Javier Trujillo, Julia Españoleto, Verónica Gómez, Gitana e Inés Mary, Diana Patricia Cubillán Herrera (La Macarena), el "Gollo" Reina, Daniela Tuges y Carlos Rodríguez quien es director de Ballet Nacional de España.
Durante ese tiempo, la protagonista de esta entrevista perfeccionó su calidad como bailaora y recibió el testigo para pasar de ser alumna a profesora cuando apenas contaba con 10 años de edad.
A partir de ese punto en su historia, María Cristina Cubillán adoptó una nueva pasión, la enseñanza, la cual impartió desde su primera oportunidad con gran profesionalismo y sacó a relucir la cronista que lleva en su sangre y en medio de sus clases de baile, aprovechó la oportunidad para mostrar la historia del género musical milenario a todos sus alumnas de la academia.

Aires de septiembre
Luego de esta etapa, María Cecilia se hizo cargo de la Escuela de Flamenco del Polígono de Tiro de Valencia entre los días de diciembre de 2004 hasta junio de 2005, constituyéndose este hecho como uno de los primeros peldaños que le tocaría vivir para lograr un gran sueño, tener su propia academia.
Cuando el calendario marcaba el 29 de septiembre de 2005, María Cecilia, abría las puertas de su propia academia, la cual bautizó bajo el patronímico de "La Romería", contando en la actualidad con casi un centenar de alumnas.
Junto a "La Romería" ha formado parte del espectáculo de la cantante Rosario Flores en la ciudad de Valencia y también se ha convertido en una referencia en las ferias internacionales de la capital carabobeña, organizadas por la alcaldía de este municipio.
Ella tiene presente un par de axiomas, el primero es la defensa del flamenco clásico y la necesidad que sus alumnas conozcan de la historia de este género musical que forma parte de la historia de la humanidad .
El segundo de los puntos que defiende esta señorita, es que para este arte no hay género que se imponga, ni fechas de nacimientos o criterios de ninguna índole, porque para ella esta música es universal que ama a todos por igual de una manera casi omnipresente.
A su juicio la música que baila con maestría es un altar donde se pueden expresar todos los sentimientos, es un duende que invade los sentidos, una válvula de escape maravillosa, un recordatorio de vida, un manantial que nunca deja de fluir.
María Cecilia es una fiel hidalga, defensora de lo que la apasiona y una gestora de descubrimientos, una valenciana que se ha destacado en el baile y en la enseñanza, una venezolana que no para de nacer y de mostrarle al mundo que querer es poder y que no hay meta inexpugnable cuando se tiene un corazón enorme, una familia maravillosa y la certeza de que toda conquista es posible, con la mejor de las constancias y la certeza de, emplear todo su cariño en las cosas que más ama.

J.C. en los controles y 34410 al aire

Valencia como toda ciudad es una colmena de historias, las cuales pueden estar sazonadas con todo tipo de sentimientos y vivencias.
En la epidermis de concreto de la capital carabobeña, hay varios hechos que merecen salir a la luz pública, por lo interesante de sus bitácoras y sin embargo se quedan en silencio, víctimas del olvido, como fragmentos de cromos en el álbum de la memoria de quienes la protagonizaron.
Xtensión es una banda de rock de Valencia y sus producciones discográficas han abierto senderos para relatar con su música algunas de esas historias que tienen como epicentro nuestra ciudad, usando como escenario el poder de sus líricas y la fuerza de sus notas.
En el mes de julio de 1996 se forma esta banda con la presencia de Freddy Almarza en la voz y la guitarra; Marco Ardón en la ejecución de la batería; Luis Miguel Leal tocando el bajo; y Francisco Malpica al mando de los teclados.
Poco a poco esta inquietud se convirtió en un verdadero laboratorio musical y de ahí fueron naciendo vivencias, canciones y una historia que comenzó con muy bien pie.
A finales de ese año participaron en el Festival Underground de Nuevas Bandas de Valencia, donde se llevaron el primer lugar por su versión de una canción de la banda U2, "I still haven`t found what I`m looking for".
Ese fue el punto de partida y a medida que los años bajaban su telón, la banda aumentaba su experiencia y con ello, abrieron conciertos para Frank Quintero, Yordano y Pablo Milanés, este último en el Forum de Valencia.
También en este camino se dieron adiciones y fueron entrando nuevos miembros, dándole nuevas sonoridades a este grupo, como son los casos de Abigail Leal como voz, flauta y coros; Tomás Castillo como violinista (hasta mediados de 2007); Henry David Leal en la percusión (salió de la banda en el 2002) y María Gabriela del Corral como cantante (se desincorporó en 2006).
También se cuenta con los músicos invitados Adrián Zabala en la guitarra eléctrica; Ernesto Gilmond en los coros y guitarra acústica, Olga Núñez, coro y voz.

Amor, ondas hertzianas y la torre Eiffel en la Autopista del Este.
Su nueva producción se titula 34410 y se pone su mejor traje de calle y se engalana para narrar historias de amor, de un sentimiento universal que nace en las cabinas de radio o en las aceras que besan los pasos de regreso a casa.
El primer corte promocional es el que le da el nombre a la producción cuenta la historia de una profesional de las noticias comentadas en frecuencia modulada y de su matrimonio; un encuentro bautizado por las cómplices ondas radiales y la intimidad de un micrófono.
"Oye" es el segundo corte promocional de este álbum y se centra en la conversación de dos amigos y del momento triste que pasa uno de ellos.
En la letra de esta canción se plantea la interacción de este par de personajes, uno relatando sus penurias y el otro mostrándole las salidas a sus dilemas; una situación que pasa con frecuencia en la vida de casi todos y a pesar de que la misma puede pasar desapercibida, no hay duda que gracias a ella, se han construido futuros y se han transitados nuevas rutas, gracias al consejo de un buen amigo o amiga, según sea el caso.
"Valencia ya es París" es una balada que describe la metamórfosis de la ciudad industrial de Venezuela y cómo en un día de los enamorados cambia su apariencia para darle albergue a cientos de personas llenas de ese sentimiento en ese momento, siendo un escenario ideal, casi parisino, pero sin perder su identidad, tan particular.
"Así es mi país" es una canción con contenido social que se concentra en la situación que vive la nación actualmente y de como entre hermanos de feudo está naciendo una división infranqueable, una visión algo sosegada pero clara en su propósito de denunciar esta problemática.
"Después de Verte" lleva a los oídos la situación de un joven que mantiene una relación de amor con una chica y tiene que enfrentarse a la ausencia de vehículo propio.
Mientras que este personaje camina, se llena de amor y mientras sus pasos besan el concreto, recuerda los momentos especiales que ha vivido con esa persona y mientras anda hacia su destino los usa como una especie de banda sonora para la ruta del día a día.
El resto de los temas son fragmentos del subconsciente colectivo que reina en cada una de las ventanas de una urbe como la nuestra, las cuales conforman todo un viaje de sonidos para ajenos y propios.
La evolución musical de Extensión es evidente y la propuesta de 34410 es poderosa, que no tiene nada que envidiar a muchas bandas del género en todo el mundo.
Esta producción está bajo el sello disquero de ERRE & TE RECORDS y está a la venta en las principales discotiendas en el país.
Esta placa es una gran opción para los amantes de la música y para quienes buscan nuevos sonidos en un mercado que desgraciadamente se ha vuelto algo monótono.
Quien adquiera este CD no se sentirá decepcionado, porque tiene grandes cortes musicales, buena letra y muy buena presencia gráfica.
Xtensión es una banda que sin duda dará mucho de que hablar dentro de poco, por su calidad y por el afán que ponen cada día en mejorar su arte y traer el mejor de los mensajes.

Edgar Ramírez y el ultimátum Bourne

Juan Pablo Valero

Llega a las gran pantalla la supuesta última entrega de la saga de Bourne, llamada "The Bourne Ultimatum" y en esta ocasión esta película trae un sabor criollo al contar con el actor venezolano Edgar Ramírez en el papel de Paz, la némesis del protagonista.
Cuando se estrenó la primera parte de esta película en el año 2002, pasó discretamente por la taquilla americana y semanas después, cuando la cinta fue al mercado del alquiler, se convirtió en la más rentada del año e incrementó las ganancias notablemente, cuando todo el mundo pensó que iba a salir por debajo de la mesa.
Con este éxito, la secuela no se hizo esperar y en el año 2004 se estrenó "The Bourne Supremacy", que se convirtió de inmediato en un éxito de taquilla y por eso se comenzó a trabajar rápidamente en lo que sería el cierre de esta saga.
En la segunda parte Jason Bourne (Matt Damon) había acabado prácticamente con sus enemigos y por eso era necesario renovar este departamento antagonista, por lo que se consiguió un par de actores para que llenaran este espacio muy bien.
El nominado al premio de la academia, David Strathairn, es el encargado de mover los hilos de la CIA para detener al protagonista y, sin duda, este actor se luce en su rol de malvado de escritorio.

VENEZUELA PRESENTE
Por su parte, el actor venezolano Edgar Ramírez es el encargado de hacer el trabajo sucio y es quien tiene que enfrentarse frente a frente con Bourne, siguiendo órdenes directas de gente que nunca ha visto.
Edgar Ramírez interpreta a Paz, un asesino a sueldo que es igual a Bourne ya que es parte del experimento conductual que creó esta legión de agentes desalmados, los cuales se verán en peligro con el nuevo estatus del pionero de este programa, quien corre por su vida y por develar el misterio que se cierne sobre él.
No es la primera vez que el protagonista de "Punto y Raya" se luce en una producción americana; de hecho, anteriormente había protagonizado el largometraje "Dominó" al lado de Lucy Liu, Keira Knightley, Mickey Rourke, Jacqueline Bisset, Christopher Walken, Mena Suvari, bajo las órdenes del director Tony Scott, el mismo realizador de títulos como "Top Gun", "Man of Fire", "Crimson Tide" y "Deja Vu" entre otros.
En esta cinta él entra en la historia del celuloide americano al decir una gran cantidad de groserías en español y, aunque no hay conteo sobre el particular, es de suponer que debe figurar entre los papeles más oprobiantes en la lengua de Castilla, en alguna película "Made in Hollywood".
Pero en esta ocasión, Ramírez demuestra por qué es uno de los mejores actores del país y se viste en la piel del personaje, dándole una gran credibilidad y protagonizando una de las mejores secuencias de acción a bordo de vehículos del año.
Pero su paso por la Meca del cine no se detiene y ya se tiene programado el estreno del filme "Vantage Point" en el 2008, el cual se centra en el intento de asesinato de un presidente americano en España. En esta ocasión compartirá con actores de la talla de Dennis Quaid, Forest Whitaker, Sigourney Weaver y William Hurt.

Greengrass repite como director
Por su parte, Paul Greengrass repite como director y hace un gran trabajo al mostrar esa complicada historia y al hacer los respectivos enlaces con los filmes que le anteceden para no confundir al espectador, aunque es recomendable para quienes quieran ver esta película que repasen las otras dos y así van preparados para este cierre de la saga.
En líneas generales, la tercera parte de las aventuras de Jason Bourne es una gran película de acción y espionaje, con secuencias repletas de adrenalina y casi todas las respuestas para los seguidores de esta serie de largometrajes.
En esta cinta se cierra un ciclo y literalmente crea una forma narrativa circular, porque el fin de la misma se empalma con el inicio de la primera presentación en el 2002, al menos visualmente.
A pesar de ser vendida como el fin de estas películas, los guionistas y el director aún dejan algunos cabos sueltos y con ellos se crea una excusa perfecta para proseguir con este personaje, aunque ya no podrían justificar un nombre parecido a las anteriores entregas, al menos que hagan una precuela.
Esta trilogía es extraña, porque va de menos a más, y a medida que van saliendo entregas, se van mejorando todos los apartados de la misma.
En esta ocasión, esta película es la más redonda de todas; salva casi todos los defectos de las anteriores entregas y por eso es una buena alternativa para ver en las salas de cine.
El montaje es el departamento que ha presentado una mayor evaluación, haciendo esta vez un trabajo de tal precisión que parece cortado con bisturí y con planos cortos y tomas de cámara en mano se logra meter al espectador en la acción.
Bourne ha cambiado, sin querer, este tipo de películas porque, sin contar con un auto equipado con todos los aditamentos ni tener a una mujer de sueños, ha afectado hasta el propio Bond, quien en su última entrega "Casino Royale" se muestra menos glamoroso y más humano, no siendo casualidad que esta entrega del mítico espía inglés haya sido la más taquillera de todas las que llevan el número 007.
Los amantes de la acción encontrará buenas secuencias de persecuciones, disparos, excelentes peleas y una alta dosis de conspiraciones encorbatadas. En resumen, una cinta para sentarse a disfrutar en el cine.

Los pecados de "Senderos de Gloria"

Un disparo y la caída pocos segundos después del archiduque Francisco Fernando, heredero del trono del Imperio Austrohúngaro, fue el detonante de la Primera Guerra Mundial, un conflicto que causó la muerte de millones de personas en el viejo continente y que pasó a la historia como uno de los períodos más oscuros de la humanidad.
En este conflicto bélico nacieron historias que hoy se recuerdan como una leyenda, donde abundan los héroes, los villanos y los caídos; las cuales han sido llevadas a la gran pantalla en varias ocasiones y por eso se trató de repetir sin éxito esta formula en la cinta "Flyboys" o mejor conocida en Venezuela como "Senderos de Gloria".
Este filme se centra en la discreta participación de jóvenes de Estados Unidos en esta guerra en la Escuadrilla Aérea Lafayette, un hecho verídico pero poco trascendental en la resolución de este período negro y gracias a eso se da el primer error de la cinta, que es tratar de hacer una gran cosa, algo que en realidad no lo fue, con la finalidad de realzar el sentimiento de heroísmo del país americano y así convocar a muchos cinéfilos a las salas de proyección.
Este largometraje costó 60 millones de dólares y apenas recaudó 13 en su jornada de estreno en el año de 2006; levantando posteriormente vuelo en el mercado de los alquileres y ventas, hecho que evitó que sus creadores se fueran con las tablas en la cabeza, pero que catalogó la vida comercial de esta propuesta como un fracaso.
Casi todo el presupuesto se fue en las batallas áreas, que sin duda son lo mejor de la película y que será del agrado de los amantes de los efectos especiales y de los enfrentamientos de aviones; pero el resto es algo bastante lento y sin sentido, con actuaciones dudosas y poco énfasis en los aspectos que deben estar presentes en una buena dirección.
Como casi todo el dinero se fue en los efectos especiales el elenco se basó en desconocidos actores, entre los cuales destaca James Franco (el mismo de la saga de Spiderman) y el actor francés Jean Reno, constituyéndose en una dupla poco atractiva que aunque tiene la responsabilidad de salvar al filme a nivel de actuaciones, no lo hace y la culpa de todo esto es del director Tony Hill, quien no asumió este proyecto como una ambientación del año de 1916 y eso generó fallas muy graves que dañaron a toda la cinta.
Si se quitan las batallas en el aire, sólo queda una serie de clichés con unos personajes que afrontan tontamente sus conflictos que pasan del racismo, el desprecio de los padres, el fracaso económico y el miedo a morir en combate.
Lo peor de todo es el romance del piloto Rawlings (Franco) y una linda francesa (Jennifer Decker), que genera al menos 50 minutos de metraje que no se necesita, especialmente por el final de esa historia de amor tan abrupto y surrealista, a tal punto que raya en lo ridículo.
En cuanto a los enemigos de los americanos en el aire, son un par de alemanes que de una manera casi fantasmal aparecen en la cinta para asesinar a muy pocos miembros del elenco, este par de personajes muy mal caracterizados son los únicos que dan medianamente algo de tensión a la trama aburrida de este largometraje.
En la persecución de este par de combatientes germánicos se centra la razón de ser de los pilotos americanos y eso aleja a estos personajes de la verdadera razón de su presencia en Francia, que era participar en la Primera Guerra Mundial y tratar de ayudar a ese país, mientras que su nación de origen salía de su letargo y entraba de pleno a esta batalla global.
Otro aspecto negativo es la predisposición del equipo realizador de suavizar la guerra, con secuencias donde casi todos son afortunados y los que no corrieron con esa suerte, perecen de una manera tan discreta, que parece una cinta hecha para todo público, cosa que le resta credibilidad a los amantes del género bélico.
"Flyboys" o "Senderos de Gloria" es la típica película que podrían pasar a primera hora de la tarde en los canales nacionales, que sirven para entretener al público un rato y luego pasar a la galería del olvido, ya que no tiene nada de trascendental y lo único que puede ofrecer al público son algunas secuencias atractivas de batallas en el aire de una Europa dividida.
Los amantes de los efectos especiales y de secuencias de acción, podrían tratar de conseguirle un sentido a la inversión de comprar una entrada en el cine para ver esta cinta, el resto de los asistentes podrían sentirse estafados por esta proyección, porque al salir de las salas ya comenzarán a olvidar lo que vieron, porque al fin de cuentas no vale la pena.
Para darle algunos puntos a favor hay que decir que la edición de sonido es impecable y que las batallas de los aviones se realzan gracias a este rubro técnico.
La cinematografía es muy básica y no aprovechó el argumento para poner ante los ojos de la audiencia un verdadero espectáculo visual, siendo más que obvio en la escena del enfrentamiento de París, donde no se hizo juego con los descomunales decorados de la ciudad de las luces.
La banda sonora tampoco se destaca y la música incidental no se destaca en lo absoluto.
"Flyboys" está en los clubes de alquiler de películas en DVD desde hace meses y es aquí donde podría ser una opción para llevarla dentro de un paquete de varias películas, para pasar un fin de semana en casa viendo largometrajes, pero lejos de eso, esta producción sencillamente pasará por los senderos del séptimo arte sin pena ni gloria.