Guardianes de la noche: El terror ruso invade nuestras pantallas

Juan Pablo Valero
Para nadie es un secreto que la tendencia a la baja del cine hecho en Norteamérica es evidente y afortunadamente esta caída ha abierto una brecha para películas de otras latitudes, incluso largometrajes producidos por europeos han logrado una buena posición en las taquillas de los Estados Unidos y en países latinoamericanos donde Hollywood mandaba se comenzó a gestar un fenómeno en el cual, películas extranjeras triunfen sobre las películas más solicitadas del verano en los Estados Unidos.
La 20th Century Fox, trae una película de terror y de ficción hecha en Rusia por el director Timur Bekmambetov, profesional del cine que es llamado por sus colegas como "El Tarantino Ruso", por su calidad a la hora de llevar a la gran pantalla escenas rápidas, violentas, con un gran valor estético.
Esta película se basa en la novela de Sergei Lukyanenko, Night Watch, y sus secuelas Day Watch y Dusk Watch, libros que han marcado un hito en la literatura de la ex potencia mundial, vendiendo 2,5 millones de copias y convirtiéndose en una historia de culto para los jóvenes y asiduos usuarios de Internet.
La primera cinta narra la historia del enfrentamiento entre las fuerzas del día y de la oscuridad, que al verse en igualdad de condiciones hicieron un pacto de no agresión, en los que se conformaría dos patrullas: la del día comandada por la gente del mal; y la de la noche integrada por las fuerzas del bien.
Estas patrullas tienen la función de mantener el equilibrio de las dos poderosas fuerzas, y mantener a raya a todos los intentos de algunas de las fuerzas de salirse de lo normal y desequilibrar el mundo.
Los integrantes de este batallón paracelestial y parainfernal, no pueden ser vistos por la gente promedio, solo por los seres llamados "los otros", quienes tienen poderes especiales y pueden poner el poder en alguna de las fuerzas, por eso cuando una de estos seres recibe el llamado, los guardianes de las diferentes divisiones procuran hacer lo posible para tenerlo de su lado, porque de caer en malas manos, el bien o el mal, podrían romper el equilibrio y ganar la batalla.
Luego de escoger al director, se planteó la problemática de cómo llevar a la gran pantalla esos parlamentos llenos de brujos, vampiros, y criaturas con extraños poderes, teniendo en cuenta que no se tenía el presupuesto multimillonario para lograr el cometido, sin embargo se aprovechó al máximo los recursos y se puedo llevar al cine esta historia, con una gran calidad visual.

EL ELENCO
Por el respeto de los personajes del libro, que eran queridos por buena parte de los rusos, se eligió un elenco cuidadosamente, por eso se eligió a Maria Poroshina como Svetlana, una mujer que llevaba la desgracia a donde fuera, porque ella se maldijo a sí misma.
Konstantin Khabensky hace de Anton Gorodetsky, un atormentado personaje que se condena a si mismo al intentar asesinar al hijo de su ex esposa que estaba en el vientre apenas; los guardianes de la noche llegaron al sitio y evitaron que la bruja cumpliera con su cometido, y Antón comenzó a ver a los integrantes del comando del bien, hecho que lo llevó a trabajar para ellos, en parte para pagar su culpa y por otro lado, combatir con las consecuencias que su deseo causaría en el mundo, doce años en el futuro.
Zhanna Friske, una cotizada estrella del pop, hace de funcionaria de las fuerzas del mal y es la mano derecha del señor oscuro, ella aunque no tiene mucha participación en el filme, desencadenará los hechos que serán definitivos para la historia.
Para el papel del líder de los Guardianes de la Noche, se contó con Vladimir Menshov (Boris Gesser), quien es una figura destacada en el mundo del celuloide, actor, guionista y director, que en una ocasión se alzó con el premio Oscar(r).
Victor Verzhbitsky interpretó a Zavulon, líder de los Guardianes del Día, regente de las fuerzas del mal, quien al final de esta cinta tendrá un papel primordial, porque develará como el destino colocó a Antón en un papel que cambiaría al mundo para su desgracia.

LOS EFECTOS
Más allá de los efectos especiales, que en esta cinta son muy buenos, se puede decir que se hicieron con un planteamiento artístico, para definir una nueva era en lo que al cine hecho fuera de EE.UU., de hecho esta película ha replanteado el cine en el país ruso y se espera que se active esta industria que estaba dormida desde hace ya algunos años.
Rusia ha sido cuna de grandes cineastas y ha formado parte de la historia del cine, con grandes películas, que son en la actualidad, referencia obligada a la hora de hablar del séptimo arte. Esta vez renace con una película que promete llevar la calidad de este país a la actualidad, donde los efectos especiales juegan un aspecto importante y que al ser combinados con una excelente dirección de arte, se puede llevar a grandes niveles.

CRITICAS DESENCANTADAS
Muchas han sido las críticas sobre esta cinta, buena parte de la audiencia promedio la han calificado como poco entendible y muy confusa, pero realmente esa era la intención del propio autor del libro que se encargo de escribir el guión de la película.
Por su parte Quentin Tarantino en una entrevista luego de ver la película comparó al director de Guardianes de la Noche con Ridley Scott, por su complejo estilo visual, aparte de eso señaló que este filme corta los respiros y mantiene a las personas atadas a su silla en las salas de cine.
Lo cierto es que la primera parte de una trilogía y es por eso que la historia se queda en "veremos", esperando la continuación, esto puede ser un factor para que la audiencia piense que no entendió y que la película no es buena, pero si tiene consigo la información, que es un tercio de una historia, podrá ver un nuevo universo de posibilidades, que llevará al espectador a otro nivel.
La trilogía apenas cuenta con un presupuesto de 34 millones de dólares (Guardianes de la Noche, tiene apenas 4 millones de dólares), algo impensable para el cine norteamericano, pero si una gran iversión para el cine ruso, país en el cual la gente la ha visto desaforadamente, logrando recuperar la inversión de las tres películas en menos de un mes de exhibición.
Ahora le toca los otros países del mundo saber de esta cinta, y Venezuela en las próxima semana será parte de la invasión del terror ruso en nuestras pantallas.

Angie Pérez: Talento y belleza en la televisión venezolana

Juan Pablo Valero

Uno Horizontal: Dos palabras que suman 10 letras. Animadora venezolana que se caracteriza por su belleza y talento, nacida en Baruta en el Estado Miranda. Esta joven tiene conquistado el espacio televisivo dedicado a un concurso donde se reta al conocimiento de los participantes y un segmento en el noticiero donde se reseñan noticias del espectáculo. ¿Sabes la respuesta?, es muy sencilla: Angie Pérez.
Este podría ser el guión de Nany Montero, en la edición del fin de semana de "Rompe Coco" al referirse a su compañera, Angie Pérez; serían además unos puntos regalados al concursante de turno y a la audiencia, porque la respuesta es obligada y a pesar del poco tiempo que lleva el programa en el aire, se puede decir que está impreso en el subconsciente colectivo.
Es necesario tomar lo que sale en el site de Televen (www.televen.com) para introducir a este talento nacional, quien se caracteriza por su altos logros académicos y profesionales. Es Licenciada en estudios Internacionales, egresada de la Universidad Central de Venezuela y cuenta con un Master en Periodismo para Televisión en la Universidad de Miami.
Con esta bitácora de conocimientos, Angie Pérez derriba la premisa de que una mujer preciosa no puede ser inteligente: de hecho, sus hermosas características físicas la llevaron a concursar en 1998 en el Miss Venezuela, edición en la que ganó la primera mujer de tez morena en la historia (Luzbel Carolina Indriago) y en la cual participó la actriz Verónica Schneider.
Aunque no obtuvo la polémica corona, pudo lograr ser el "Best Position Paper" (Mejor Postura del Tema) en el Modelo de las Naciones Unidas de Harvard de 1999 y en el 2003 ganó una beca para darle la cobertura a los premios Grammy Latinos; fue así como la chica que usa pijamas "mata pasiones" viajó al exterior para dar uno de los primeros pasos de su gran carrera.

LAS DOS ANGIES
Muchos venezolanos se hicieron la pregunta de ¿Quién es la verdadera Angie?, al verla primero como imagen del noticiero de Televen, siendo una presentadora muy acertada y muy comedida -como deben ser las mujeres que desempeñan ese importante rol de conducir las noticias-; y luego ver a una alocada Angie, que en su incorporación a "Rompe Coco" mostró mucha energía y una expresión que se basaba en lo espontáneo y en la gran rapidez con que elaboraba sus ideas.
Al preguntarle cual de las dos es la verdadera Angie, ella responde: "ambas son la verdadera. Me siento cómoda haciendo cualquiera de las dos cosas, porque me apasiona la televisión en cualquiera de sus géneros, especialmente el día a día informativo y la animación. Me gusta llevarle a la gente información y entretenimiento de calidad, que dejen algo productivo en la mente del televidente, y es por ello que la idea de "Rompe Coco" me gustó, aunque siempre sentiré pasión por el periodismo. Se puede ser divertido y serio a la vez: si no me creen, pregúntenle a Jaime Suárez".
La conductora de "Lo Actual" explica que ha cambiado el modo de comunicarse con el televidente, "pero yo sigo siendo la misma Angie Pérez de siempre: espontánea, irreverente, rebelde, diferente, pero a la vez muy sensata, disciplinada, honesta y trabajadora". Para ella es un reto, porque ahora no puede recurrir a los cables de Reuters, AP o EFE, por ejemplo, para ayudarse con el "guataqueo." Ahora tiene que ingeniárselas para sacar todo de su "sombrerito de mago, como quien dice, con el apoyo de mis productores, claro".

ANTES DE LA TELEVISION
Todas las historias tienen un principio y el de Angie se remonta a sus estudios de bachillerato, lugar en el cual muchos profesores pueden ver las condiciones de un estudiante o pasarlas por alto, pensando en que sencillamente se aplacarán en la llegada a la universidad.
Al preguntarle sobre su génesis personal, la animadora responde: "Caramba!, eso fue hace tanto tiempo. Parece mentira, pero ya llevo 10 años en el medio artístico como modelo, miss, actriz, animadora, preparadora, maquilladora, y ahora periodista, que no sé por dónde empezar".
Relata que fue una niña inquieta, muy curiosa; y sus profesores y maestros le temían porque era la propia "pepita preguntona". "Siempre me ha gustado aprender y, desde muy pequeña, me llamó la atención la televisión".
Recuerda que, en bachillerato, sus compañeros se metían con ella por sus piernas largas, y le decían "garza". Luego sus piernas fueron parte de su "clave del éxito" en el modelaje y allí empezó el torbellino. "Como buena Aries, y además hija de un maracucho con una italo-venezolana (la tenacidad se hereda!), todo lo que me propongo, lo logro, aunque sea cuesta arriba. Mientras más difícil se me hace una meta, más duro trabajo por alcanzarla".
Al hablar de las primeras oportunidades, la conductora de "Rompe Coco", recalcó que tuvo que emprender una serie de batallas para poder ser quien es hoy en día.
"Creo que cuando llegó la oportunidad, había trabajado tan duro por ello que dije: Por fin! Además, luchaba con mis padres, quienes, al principio, no me apoyaban. Finalmente, cuando tuve la oportunidad de incursionar en "El Show del Dinero" de Súper Sábado Sensacional, y luego en el Miss Venezuela 1998, mis padres entendieron que eso era lo que yo quería hacer y, hoy en día, son mis fans más asiduos, junto con mi Nonna".

CELIA Y ANGIE
Celia Cruz, "la guarachera del mundo", fue un personaje tan poderoso, que en vida y en su lamentable muerte, creó nuevas historias, impulsó a personas, le dio el espaldarazo a muchos seres, tanto en presencia como espíritu.
Angie Pérez no fue la excepción y el inicio de su carrera se llenó de la "azúcar" de la cantante cubana de todo el mundo. Un reportaje sobre la mítica cantante en Telemundo la marcó definitivamente y de esa experiencia comenta: "Fue muy emotivo y a la vez fascinante. Imagínate: yo era una simple pasante en la sección de entretenimiento de "Al Rojo Vivo" de la cadena Telemundo, a la par de otra pasantía en el noticiero local de Telemundo 51 en Miami".
"Recuerdo que María Celeste Arrarás y su equipo de producción me asignaron la gran responsabilidad de producir un reportaje tipo 'caja negra' sobre Celia Cruz y la Liga contra el Cáncer en Miami, para tenerlo listo cuando ella falleciera (ya nuestra Celia estaba muy grave). Al terminarlo, yo misma monté el esqueleto de ese reportaje en edición y me fui a casa de madrugada", relató.
"La tarde siguiente, estando en la redacción de Telemundo 51, recibí la dolorosa noticia: nuestra Guarachera de Cuba había muerto. Al ver el caos noticioso característico de estos casos, le ofrecí al director de noticias, Roberto Vizcón, buscar el material en "Al Rojo Vivo" para utilizarlo en el noticiero local, previo permiso, claro está. Me encomendé a Dios, a mi abuela Lilia, y a Celia Cruz, que en paz descansen ambas, y puse manos a la obra", prosiguió la entrevistada.
"Para mi sorpresa, el Señor Vizcón me dio la gran oportunidad de mi vida: dar la cara como reportera de esa gran noticia, con altísimo impacto en la comunidad hispana. Yo decía para mis adentros: Yo soy una pasante! ¿Y si meto la pata? Dios! No me puedo dar el lujo de meter la pata! Ayúdame, Señor Mío! Y mis dos viejitas, que velen por mí!".
"Y así, salí al aire en uno de los mercados televisivos más competitivos de los Estados Unidos, con ese notición. Es por ello que considero a Celia Cruz mi madrina, en cuanto al periodismo se refiere, junto a mi Mami Vieja", aseguró Angie visiblemente emocionada.
En cuanto a su experiencia en los Estados Unidos comenta que fue duro y muy educativo a la vez. Aprendió muchas cosas y se terminó de "foguear" en cuanto a la televisión se refiere.
"Es difícil surgir en otro país donde eres un ciudadano de segunda, y tienes siempre que cruzar los dedos para conseguir un empleo que ningún ciudadano de ese país pueda llenar, y así tener la oportunidad. Ellos tienen prioridad. Sin embargo, la experiencia fue positiva ya que, además de aprender mucho, tuve otra perspectiva sobre la vida e incluso, sobre nuestro país. Ahora veo otros ángulos, cuya existencia desconocía".

SOLTERA Y SIN COMPROMISOS
En cuanto al trabajo resalta que es difícil de llevar con el amor, las amistades y la familia; "Pero trato de mantener un equilibrio. Mi familia inmediata está en Miami y eso, aunque es duro, no me hace sentir tan culpable como si estuviesen aquí y no tuviese tiempo de compartir con ellos".
"Me hacen falta mis padres, mi Nonna, mi hermanita. En cuanto a la familia extendida, trato de verlos cada vez que puedo. Mis amigos ya me dan por perdida: casi no nos vemos, pero trato de mantener algún tipo de contacto (e-mail, teléfono, mensajes de texto, etc.). Mi vida sentimental, pues, creo que hay una razón por la cual sigo soltera: estoy perdidamente enamorada de mi trabajo, y mis relaciones previas se han desmoronado porque la televisión absorbe mucho. Aún no he encontrado la pareja ideal que comprenda y esté en paz con todo lo que implica estar en el medio".
Otra de las razones que explican que esta bella y polifacética mujer del Show Business criollo, esté sola en el aspecto amoroso, es que sus logros pueden intimidar al hombre promedio, que muchas veces piensa que no puede lograr los afectos de Angie, porque es muy alta, quizás inalcanzable. Pero para ella la realidad es otra y espera que su "media naranja" rompa esos esquemas y para eso se dará el lujo de esperar, porque no hay apuro.

ROL COMO FORMADORA
Reconoce que su papel en la televisión criolla la ha llevado a tener grandes compromisos con la audiencia y por eso tratar de ser mejor cada día, para regresar con calidad todo el apoyo que le han brindado sus televidentes.
"Imagínate! Qué responsabilidad la que tengo! Todos los días me encomiendo a Dios para dar lo mejor de mí misma, y le doy gracias por haberme puesto en este camino. La televisión es un medio extremadamente poderoso e invasivo, y puede ser utilizado para manipular la matriz de opinión, la moral, la cultura, tantas cosas. Sólo le pido a Dios que me ilumine para utilizar siempre esta arma de doble filo para el bien del televidente: mantenerlo informado y entretenido, sanamente".
Y reflexiona mucho sobre la relevancia de su cotidiana labor: "Una mentira, por ejemplo, que normalmente tiene patas cortas, en un medio como la televisión, puede tener un alcance bárbaro y hacer mucho daño. Igual una palabra no comedida, un comentario malsano. Trato de aprender de mis errores, para que no se repitan"
Son frases de Angie, que busca siempre la perfección en el medio donde se desenvuelve, porque eso siempre ha sido la brújula que ha llevado al éxito a la mirandina, quien por hacer bien las cosas, lleva por lo general al mejor destino.

LA OTRA ANGIE
La comunicadora, a pesar de presentar muchas de sus facetas en la pantalla chica, tiene muchos aspectos que el televidente no conoce, como es el hecho de que es maquilladora profesional, profesora de pasarela y de inglés. En sus ratos libres, le gusta hacer collares y accesorios. En Miami, trabajó como asistente de un estilista venezolano.
La premisa de ese talento nacional es: "Eres parte del problema o de la solución y yo prefiero solucionar". Por eso se puede ver que, a pesar de lo logrado, se baja de los tacones de las pretensiones y se dedica hacer de todo, para gestar nuevos caminos donde antes había puertas cerradas.
Por eso no se arrepiente de nada, ya que todo le ha dejado un aprendizaje, y ante la pregunta de qué modificaría de su vida, si tuviera la potestad, respondió que nada: "no cambiaría ni un ápice de mis experiencias por todo el oro del mundo. Gracias a ellas, soy quien soy"
Entre las cosas que le encantarían, es no temerle tanto a las alturas para poder saltar en paracaídas, o volar en parapente, por ejemplo, "pero creo que no me atrevo ni a intentarlo: las alturas me aterran y creo que es un miedo sano".

DE MATRIMONIOS CANCELADOS Y ENCUENTROS CON COCODRILOS
La bella animadora ha hecho muchas cosas en su vida, de hecho, ha sido una especialista en cambiar su destino en más de una ocasión, para seguir sus sueños, y no dejarse hundir en la típica pose de muchas emprendedoras mujeres, que dejan sus deseos en espera para ajustarse a una pareja, y que con el pasar de los años se conforman con preguntar: ¿Qué hubiera pasado si me hubiera arriesgado a hacer lo que siempre soñé?
Ante esta interrogación, ella comenta lo siguiente: "en mi vida, pues, pospuse matrimonio para concursar, por segunda vez, en el Miss Venezuela en el año 2000, y luego no me casé.
"En mi carrera, siempre hay cosas muy curiosas. Por eso me encanta. Pero hay una bien particular: un reportaje que hice sobre los lagartos del Sur de la Florida ("Alligators", parecidos a los caimanes), a los cuales les di de comer galletas con mantequilla de maní. Es un milagro que no me hayan arrancado un brazo! Durante ese mismo reportaje, me metí con el domador en el corral con un lagarto, y casi me ataca: gruñía, se levantaba, me miraba... Fueron momentos muy tensos. Creo que me confundió con una "garza", o algo así!"

EL MEJOR APOYO
Para ella, su familia es su base. Siempre lo ha sido, aún cuando no la respaldaban al principio de su carrera.
"Les doy gracias por haberme hecho una mujer fuerte, por haber insistido en que la parte intelectual adquiere valor con el tiempo, mientras que la física se deteriora. Los amo con locura a todos: mis padres, mi hermanita, mis abuelos (sobre todo mi Nonna, de 96 años, quien me crió junto con mis padres), mis tíos, primos, ahijados, padrinos, y pare usted de contar".
"A todos les agradezco el apoyo que me han brindado siempre: son mis mejores maestros, y mis críticos más sinceros. Sin ellos, no hubiese podido llegar hasta aquí".
Con esa numerosa familia que le da todo el apoyo necesario de todas las latitudes de la geografía mundial, Angie asegura que dará lo mejor de sí, cueste lo que cueste, y con eso aprenderá algo nuevo todos los días.
Esta aguerrida mujer, inunda la pantalla con su alegría, chispa, belleza, talento y muchas herramientas. Este interesante personaje que busca a diario que los concursantes le ganen al "temible espíritu de Rompe Coco", es una dama sin pretensiones, posturas, ni espejismos, porque es sencillamente una fémina de carne y hueso, una mujer como pocas, que ha demostrado que se puede ser inteligente y bella al mismo tiempo, y que todos los sueños se pueden lograr con tenacidad, porque al final la vida es una sola y hay que conquistarla a fuerza de grandes logros.

Vuelo Nocturno: Suspenso sobre el aire

Juan Pablo Valero

Un avión toma la pista de despegue y comienza a rodar, el sonido de los motores invade el ambiente; las sensaciones de miedo y emociones de diversas índoles se propagan en los pasajeros quienes habían abordado de manera diferente su viaje: algunos aterrorizados, otros tristes, y el resto dopado con pastillas o licor.
Ese temor invadió a Lisa Reisert (Rachel McAdams), quien regresaba a Miami luego del funeral de su abuela Enriqueta; sin saber que su vida, la de su padre, la de un importante político de los Estados Unidos y la de los pasajeros estarían en riesgo, y sería ella la encargada de mantenerlos en una sola pieza.
Los primeros minutos de la cinta "Vuelo nocturno" muestran una noche lluviosa, en que Lisa abordaba su avión de regreso, luego de una jornada en la que se despedía de abuela en vida. En ese día de permiso de su trabajo como recepcionista de un importante hotel de Florida, llegaría a solicitar hospedaje un controversial político que compartiría una suite con su familia.
Una vez en el aeropuerto, se registraría un retraso en la salida del avión, y con eso se generaría un escenario muy común en nuestras terminales, donde podría verse a los pasajeros varados durmiendo, unos sobre otros, en las butacas de la sala de espera.
En ese tiempo, Lisa conoce a Jackson Ripner (Cilian Murphy), un joven que la invita a un trago, entabla una amena conversación con ella y coquetea para su agrado. Una expectativa pícara parece desprenderse del fugaz intercambio, lo que aumenta la sorpresa de descubrir que son compañeros de asiento, giro en la historia que se devela al momento de abordar el vuelo.
Luego de superar el tenso despegue, Jackson y Lisa parecen estar muy cómodos juntos, hasta que el sombrío joven le revela sus planes e intenciones: le dice a la bella pasajera, que su padre está asediado por un asesino. Para evitar su muerte, ella deberá ceder ante una cruel exigencia: colocar al invitado de honor de su hotel, y a su familia, en otra habitación, para que sean cruelmente masacrados.
Durante los minutos siguientes, la bella mujer intenta burlar a su captor, sin ningún éxito, pues el personaje que la tenía atada, siempre llevaba la delantera aprovechando las circunstancias de estar en un avión. El aterrizaje es posible, antes de que la protagonista pueda denunciar de manera alguna la angustiosa situación en que se vio comprometida.
Una vez en tierra firme, la recepcionista tendrá poco tiempo para escapar y evitar una masacre; para ello usará los pocos recursos que tiene a la mano y su valentía, que al final logra ser un factor determinante.

DESTROZANDO ESQUEMAS
El director de la película es, nada más y nada menos, Wes Craven, el mismo que rodó la trilogía de Scream, obra que revaloró el terror cuando estaba en decadencia y le dio el impulso necesario para que renaciera y volviera a la salas de cine, por la puerta grande.
Luego de esos éxitos, Craven se ha apuntado de manera poco acertada en películas como La Marca de la Bestia y Drácula 2000, en las que trató de traer a la actualidad los iconos del miedo; sin embargo, sus intentos fueron en vano, porque muchos descuidos en la trama de las historias hicieron posible que estas cintas se fueran por la borda.
El director, quien es asociado con el género de terror, decide bajar un escalón y meterse en el suspenso, usando personajes reales y circunstancias creíbles, pareciendo romper los esquemas en cuanto a algunos personajes y siguiendo patrones comunes para desarrollar el rol del "malo de la película".
Lisa Reisert es sin duda una mujer muy distinta a las que Craven usaría en sus filmes tradicionales: es valiente, ágil, fuerte, inteligente y siempre está dispuesta a romperle la cara a su agresor, por lo general con éxito.
"Jack" Ripner es un esquemático asesino tradicional, de esos inmortales, que a pesar de tener disparos, puñaladas, golpes y demás fatalidades, siempre se levanta para seguir peleando y revivir en muchas ocasiones, elemento que se ha vuelto un cliché, pero parece prometer estar en pantalla mientras funcione.
Las razones de Lisa son más grandes que las de los protagonistas habituales de los filmes de terror, ya que su misión es salvar a un gran número de personas, y no salvar su pellejo exclusivamente. Este tópico le dará valores agregados al suspenso que se desencadena en cada gesto o movimiento de las personas involucradas.

EL GATO Y EL RATON
Una de las escenas más emocionantes de la historia, es el enfrentamiento físico entre Jackson y Lisa, en el cual juegan al "gato y el ratón": se esconden, sorprenden y golpean. Wes Craven supo manejar esta escena, dando un contundente toque de suspenso que no permite que el espectador se despegue de su butaca.
Aquí se ve a una Lisa tan fuerte, que puede opacar al mejor de los asesinos, con certeros movimientos de sobrevivencia, como lanzar ollas, sillas y golpear con elementos que encuentra en su camino; mientras que el antagonista sufre las implicaciones de la Ley de Murphy, y rueda aparatosamente, una y otra vez.

Los protagonistas
Rachel McAdams, es una de las actrices que más promete en la meca del cine comercial. Luego de destacadas actuaciones en las cintas "The Notebook", "Wedding Crashers", y "Means Girls", comienza a sonar por su calidad como actriz y su hermosa sonrisa.
Rachel ha podido interpretar a una mujer solitaria con rango de heroína, una joven de espíritu libre con un novio castrador, una maquiavélica chica popular de una escuela secundaria, y otros personajes muy distintos entre sí, hecho que ya le ha ganado premios como los MTV Movie Awards, a su corta edad.
Por su parte, Cilian Murphy se está convirtiendo en el villano de Hollywood, y parece comenzar a seguir la senda de Cristorpher Walken y Dennis Hopper: se dio a conocer con la película 28 Días, y hasta el momento su papel más resaltante lo representó en Batman Begins, donde hizo de malo, caracterización de la naturaleza humana que repite en Vuelo Nocturno.
WEBSITE
Uno de los aspectos interesantes de esta cinta, es su website http://www.redeye-themovie.com/home.htm, el cual tiene una serie de atracciones multimedia, donde el usuario podrá seguir el desenvolvimiento de la película, gracias a unos novedosos menús interactivos, que logran que el usuario escudriñe todo el site con gran interés.
Aparte de esto, tiene fotografías, vídeos y mucho material de la película para el uso en computadoras personales, como es el caso de los fondos de pantalla.
Todos estos aspectos, hacen de Vuelo Nocturno una opción para ir a las salas de cine, comer cotufas, aferrarse al asiento y pasar un rato entretenido: de ahí no pasará.

Caracas Amor A Muerte

Juan Pablo Valero/ IMDB/ El Nacional

De El Valle pasó a llamarse Caracas, Amor A Muerte, por puras cosas de comercialización. Sin embargo, la pasión que Gustavo Balza (Caracas, 1965) ha puesto en su primer largometraje sigue intacta. También la preocupación que le causan problemáticas como la del embarazo precoz y el aborto, casi inseparables en una sociedad que todavía no ha descubierto la mejor manera de ayudar a las jóvenes que esperan un bebé.
Ese es el caso de Aixa (Eliana López), una adolescente del 23 de Enero o de cualquier barrio latinoamericano que no sabe si tener o no al hijo que ha concebido con Ramón (Luke Grande), un joven delincuente que, a sabiendas de que vive al borde del precipicio, ve en el niño una posibilidad de trascender.
Alrededor de Aixa y Ramón se encuentra un grupo de adultos sin respuestas concretas para ellos: Carmen (María Antonieta Ardila), la abuela de la muchacha, no desea que se repita la historia de las mujeres de su casa; Sergio (Luis Fernández) es el gineco-obstetra dispuesto a practicar el aborto, y Carmelo (Iván Tamayo), es el sacerdote y viejo amigo de Sergio, apegado, como es de esperarse, a los dictámenes de su fe religiosa.
Nadie parece interesado en escuchar la opinión de Aixa, quien no tiene más salida que refugiarse en un ascensor fuera de servicio a fumar y a atiborrarse de preguntas.
A primera vista, Caracas, Amor A Muerte luce como una película sobre el aborto y sus implicaciones íntimas y sociales en una sociedad subdesarrollada. Pero cuando uno la piensa y la revisa, descubre que lo más importante reside en el entramado humano que rige las aspiraciones, frustraciones y conductas de un puñado de seres colocados al borde del abismo.
El hecho de que una adolescente quede embarazada y todo su entorno familiar, afectivo y religioso divida sus opiniones sobre si tiene el niño o no, es apenas el punto de partida dramático de una trama que confronta la vida y la muerte en un sentido más amplio a través de las distintas formas del amor y el desamor, matizadas por la incomunicación y la intolerancia.
Tanto como el aborto de una chica, importan las circunstancias, el entorno y las emociones que rodean esa posibilidad. Lo que se halla en el fondo de esta excelente película venezolana es un ansioso intento de comprender a esos seres humanos en situaciones al límite. Son personajes que rodean la tragedia, cavilan sus angustias o tienen sus horas contadas. Cada cual posee una misión en torno de un hecho humano trascendental.
En esa mirada integradora y en una admirable capacidad para organizar los factores expresivos del cine se encuentra el inquieto talento de Gustavo Balza, un director venezolano formado en la Escuela de San Antonio de los Baños, en Cuba, que debuta en el largometraje después de una notable carrera como cortometrajista. A juzgar por esta película, promete desarrollar una carrera muy interesante.
El ambiente es el 23 de Enero de Caracas pero puede ser cualquier barrio latinoamericano. El personaje central es Aixa, una quinceañera con un hijo en su vientre. Solitaria, casi muda, aislada del mundo que la acosa. Alrededor suyo se encuentra una galería de personajes fundamentales. Su novio Ramón, psicópata malandro que quiere el niño a toda costa y "quiebra" a quien se le oponga
También destaca el personaje de Carmen, joven abuela de Aixa, partidaria del aborto para no repetir su propia historia y la de sus hijas. Sergio, desencantado médico del hospital público que practica abortos para impedir que vengan al mundo niños sin futuro.
Carmelo, cura preocupado por la agresividad en su parroquia y contrario a interrumpir la gestación. Todos tiene una opinión sobre Aixa. Todos la presionan. La única que no opina es ella. No busca decisiones. Sólo quiere estar con Ramón. Ser feliz. Sin embargo, no puede obviar la violencia en sus muchas manifestaciones y la muerte como parte de la cotidianidad.
La visión que despliega Caracas, amor a muerte es totalizadora tanto en el plano social como en el personal. No pretende explicar las razones de la pobreza, la agresión y el desencanto sino comprender la intimidad de esos seres humanos.
No se alimenta de estereotipos ni posiciones ideológicas. Tampoco se define como la típica película sobre los barrios y la miseria. Todo lo contrario. Prefiere que sus personajes se desarrollen desde adentro, con fuerza y honestidad. Establece una metáfora sobre la luz que se apaga para referirse a un bebé, a una muchacha, a un malandro, a una vida.
Sorprende la eficaz coherencia expresiva de la obra. El guión de Armando Coll y Balza es contundente, trabajado al detalle, atento a la evolución de los personajes y el desarrollo dramático. No tiene cabos sueltos. Su final es sorprendente. El trabajo de fotografía de Alejandro Wiedemann es notable por las atmósferas que crea y por el sugerente uso de la luz.
La música de Alonso Toro contribuye de manera importante a crear un clima dramático. El montaje de Alberto Gómez Díaz articula la narración con brío y precisión. Todo el trabajo de producción es destacable. Posee calidad internacional. Demuestra que se pueden hacer grandes obras con poco dinero pero con mucho rigor.
Pero sobre todo descuella el trabajo actoral de Luis Fernández, Luke Grande, Iván Tamayo, María Antonieta Ardila y Eliana López. Conforman un elenco parejo, eficiente y de gran fuerza expresiva. Se aprecia que cada intérprete se ha sumergido en la intimidad de su personaje. En suma, Caracas, Amor A Muerte es una de las mejores películas venezolanas.
Una de las cosas importantes de este film, es como el director se desprende lo establecido como ley a la hora de construir un personaje. En toda la historia del cine nacional a la hora de representar un delincuente, nos encontrábamos con un adolescente de color oscuro y de léxico atropellado entre modismos propios de la escalera a la cual pertenezca dicho personaje.
Se dejaron atrás las ideas que grabar en un barrio era igual de hablar de violencia, tiros y grandes cantidades de groserías. Porque aquí se toca otro tipo de temática dejando bien en claro que para plantear un buen tema no hace falta malas palabras, violencia injustificada y sexo en extremo.
Por lo mismo se marca el primer paso de lo que será la evolución final de nuestro cine, un poco más interno y global, que podrá verse en todo el mundo como si fuese parte de él.
Quien dude de la calidad de esta película, puede consultar el website www.imdb.com, que es una de las bases de datos más impresionantes del cine en la red, en la misma este filme tiene una puntuación de 7.3, nota que solo obtienen películas de gran factura, porque más del 80% de los largometrajes están por debajo de los 5 puntos. http://www.imdb.com/title/tt0247796

Traffic: Una desgarradora visión del narcotráfico

Juan Pablo Valero

En el mercado de las películas de alquiler, se dan muchas opciones interesantes, por tener títulos de películas que muchas veces el usuario no ha visto, porque sencillamente no había nacido y de filmes actuales, que pasaron por debajo de la mesa, por diferentes circunstancias. Una de esas opciones para alquilar un buen largometraje es Traffic.
Sin rodeos, es difícil que en los años venideros exista una película que desbanque a "Traffic" como una de las mejores de su género. Cada elemento de esta película, cada actuación, cada diálogo, se entrelaza hasta formar una compleja historia profunda en su significado y devastadora por sus connotaciones. Si alguien dudaba del talento de Steven Soderbergh como cineasta maduro, luego de los juveniles malabares estilísticos de "Sex, lies and videotape" y "Kafka", ésta es la confirmación.
"Traffic", al igual que "JFK" o "The Doors", pertenece a ese ambiguo género en el que la cámara se convierte en un narrador subjetivo de la historia, en la que los hechos no son tan importantes como el modo en que se cuentan, de hecho, es dolorosamente honesta, pero la veracidad de los sucesos es sólo un complemento del impacto que busca provocar. Y más importante, es que se presencia la validación de un estilo narrativo que renovará el cine de la siguiente década.

TODAS LAS PARTES
"Traffic" cuenta varias historias relacionadas entre sí por el omnipresente fantasma del tráfico de drogas, desde todos los aspectos: quiénes la distribuyen, quiénes la usan y quiénes combaten esta actividad, a diferentes niveles.
Los personajes principales son Javier, un excepcionalmente honesto policía de la ciudad de Tijuana, quien tenazmente lucha por el bienestar de su comunidad, aunque esto lo ponga en situaciones que lamentará amargamente.
En un nivel completamente diferente está Robert Wakefield, un oficial de alto rango en el gobierno de los Estados Unidos, quien tiene a su cargo la organización de la eterna guerra contra las drogas. Sin embargo, no hace falta que Wakefield salga de casa para encontrar el problema frente a frente.
La tercera protagonista es Helena Ayala, la refinada esposa de un próspero empresario que sin previo aviso se ve directamente envuelta en una cadena de distribución de droga cuya existencia hasta el momento ignoraba.
En esta película no hay lecciones fáciles ni moralejas baratas. Los hechos se presentan fríamente, los personajes se las arreglan para enfrentar sus particulares situaciones del mejor modo que pueden y el resultado final es un tapiz de experiencias que muestran las dos caras de la moneda, incluso agregando un buen análisis de las causas de la prosperidad del tráfico de estupefacientes.
Se mencionó un nuevo estilo narrativo; en efecto, Soderbergh tiene el valor de dejar "colgando" la mayor parte de las escenas. Nunca explota las obvias consecuencias de los hechos que viven sus personajes. En vez de eso, prefiere dejar las cosas al aire, dándole al público la tarea de juzgar o interpretar las cosas como mejor parezca. La decisión de hacer esto resulta en una película dinámica, que plantea preguntas en vez de indagar respuestas, y que mantiene su integridad al no buscar congraciarse con el lado amable o moralista de la sociedad.
En el pasado, Soderbergh ha logrado extraer extraordinarias actuaciones de su elenco; ésta no es la excepción: Benicio del Toro y Don Cheadle brillan particularmente como policías (uno mexicano, el otro norteamericano) con métodos e ideologías distintas, pero válidas.
Erika Christensen entrega una actuación extraordinaria como la adicta hija de Michael Douglas, a la vez atractiva y lastimosa; por otro lado, el mismo Douglas se ve algo acartonado, aunque aprovecha valientemente su edad madura para dar adicional credibilidad a su personaje.
Incluso Catherine Zeta-Jones muestra su talento frente a las luminarias que la acompañan.
La cinematografía es una herramienta más que usa el director para facilitar la narrativa. Los cambios de color en la cinta, además de ayudar a la ambientación, dan identidad inmediata a las muy variadas locaciones en que se desarrolla la película.
Podrá parecer un vacío ejercicio de preciosismo visual, pero en realidad es un respaldo del entretejido pero preciso guión, y mantiene perfectamente claro el flujo de las historias.
Una carretera perdida en medio del desierto. Dentro del coche, un policía mexicano le cuenta a su compañero el sueño horrible de la noche anterior. Se trata de un presagio de los acontecimientos que vendrán a continuación, porque los dos policías vivirán una pesadilla.
El espectador (Hablo de mi caso), en cambio, hipnotizado por la deslumbrante puesta en escena de Soderbergh, tendrá la sensación de soñar despierto.
En el aspecto formal, Traffic es un derroche de virtuosismo, un relato trepidante, un mosaico de historias. Aquí la segmentación es espacial (México, Ohio-Washington, San Diego), mientras que en El halcón inglés -la película donde Soderbergh ha llevado más lejos el estilo fragmentado- los saltos se daban más en el tiempo que en el espacio. En Traffic, los tres ejes narrativos se entrelazan de una forma prodigiosa, potenciándose recíprocamente. Cuenta, además, con unos actores excelentes. Y se hablan dos idiomas, el español y el inglés.

CRONICA Y MELODRAMA
¿Qué es, en realidad, Traffic? Conviene señalar, ante todo, que Traffic no es un sermón ni un alegato a favor o en contra de la despenalización de las drogas, ni a favor o en contra de nada, sino una crónica de la guerra contra el narcotráfico, en tres frentes de batalla: México (color: marrón arenoso), Ohio y Washington (color: azul eléctrico) y San Diego (color: verde). Una crónica con vocación de documental, incluso con características de dicho género, como los escenarios naturales y la filmación con la cámara en la mano.
Traffic se limita -o al menos eso pretende- a mostrar cómo funcionan las cosas, sin ocultar los absurdos y las contradicciones internas. Y sin proponer soluciones. El espectador debe sacar sus propias conclusiones.
Si aparece alguna historia complementaria -como la del grupo de estudiantes toxicómanos-, pronto queda subordinada -mediante el personaje de la hija del jefe de la DEA- a la crónica principal. Traffic pertenece, pues, a la modalidad de la crónica policíaca, pero no a la corriente más crítica.
El mérito del género negro consiste en criticar el orden social como crimen organizado (cf. Cosecha roja, de Dashiell Hammett). Actualmente, vivimos en la época de la militarización de los gangs y cárteles y de la gansterización de los políticos. De ahí la confabulación entre gánsteres, militares, policías y políticos. La figura del general Salazar es reveladora de dicha evolución.
Y la ausencia de un personaje equivalente en el otro lado del Río Grande también es reveladora. Pone de manifiesto que Traffic ofrece una visión idealizada, edulcorada de las altas esferas de Estados Unidos.
A pesar de que el espectador ya ha visto crónicas basadas en hechos reales que ofrecen una visión desmitificadora, como Serpico (1973) y El príncipe de la ciudad (1982), de Sidney Lumet. Y aún podríamos añadir L.A. Confidential (1997). Obra de ficción, sí, pero que captaba la realidad más profundamente que muchas crónicas y documentales "realistas" que se quedan en la superficie. Como se ha demostrado al descubrirse la existencia, en la policía de Los Angeles, de un grupo parecido al de la película de Curtis Hanson. Así las cosas, cuesta entender que en el año 2000 Soderbergh y Stephen Gaghan (el guionista) presenten a un personaje como Robert (Michael Douglas) adornado con la aureola de incorruptible.
Esa clase de políticos no pertenecen al género documental, sino a las fantasías prefabricadas de cierto sector de Hollywood. Dejando esto de lado y ciñéndonos a los aspectos estrictamente cinematográficos, ¿cómo se explica que Benicio del Toro y Don Cheadle se coman a Michael Douglas? ¿Por las limitaciones del actor o por las limitaciones del personaje que encarna? Sería sencillo explicar que se debe a ambas cosas.
Pero es sintomático que el personaje situado en las altas esferas resulte más esquemático, con pocos matices. Ni siquiera logra enriquecerlo su evolución final, cuando Robert dimite de su cargo y considera más importante la rehabilitación de su hija, que el enfoque político-militar de la DEA.
La crónica policíaca ofrece un catálogo de las situaciones habituales de la guerra contra el tráfico de estupefacientes. A fin de cuentas, no es muy innovadora que digamos. Está filmada, eso sí, con un gran despliegue de energía y dinamismo.
Es innovadora en la forma, no en el contenido. Lo cual no significa que no posea cosas interesantes. En Traffic, por supuesto, se reflejan numerosas contradicciones de la cruzada contra el narcotráfico, empezando por la principal: que se luche en el extranjero contra un tráfico que tiene su origen en la gran demanda de consumo que existe en Estados Unidos.
Menos original es el otro ingrediente de Traffic: el melodrama. La relación entre Robert y su hija Caroline (Erika Christensen) va adquiriendo esa orientación. Soderbergh y Stephen Gaghan no dudan en recurrir a situaciones fuertes -y estereotipadas- para suscitar las emociones del público. El descenso de Caroline a los infiernos, el rescate a cargo de su padre y la redención final nos recuerdan los melodramas de barrios bajos (slum melodramas) de D. W. Griffith

Colearse como filosofía de vida

Juan Pablo Valero

Colearse como filosofía de vidaPensar en una película exitosa en esta temporada oscura para Hollywood, donde han caído las ventas de boletos en un 10%, en comparación con el año pasado, sería pensar en un filme plagado de efectos especiales y que mantenga la cima en la taquilla por varias semanas. Sin embargo Los Rompebodas, destrozan ese esquema y a pesar de no tener grandes efectos, captó la atención del público.
Luego de varios días escoltando a Charlie y la Fábrica de Chocolate, este filme logró su cometido, por lo interesante de su trama, que se eleva por encima de la condición de película ligera, con la firme intención de "entretener".
Wedding crashers, que es el título en inglés, relata las escandalosas aventuras de dos solteros empedernidos -John (Owen Wilson) y Jeremy (Vince Vaughn)- quienes han dado con la perfecta estrategia para pasarla bien.
Este par con un grupo de identidades falsas e historias inventadas, se dedican a colearse en las bodas y así poder probar los mejores bocados, beber la mejor champgane y por supuesto estar con mujeres hermosas, quienes en medio de una ceremonia religiosa, son asaltadas por sus sentimientos de no "quererse sentir solas".
Este par de amigos, han convertido la manipulación en un arma, y eso los ha llevado a convertirse en leyenda dentro del medio, porque sus andanzas comienzan a ser modelos a seguir por la nueva generación de arroceros, sin embargo en la última temporada de matrimonios, los hechos cambiarán notablemente.
En la boda de la hija de un importante senador norteamericano, interpretado por el siempre funcional Christopher Walken, se encontrarán con la horma de su zapato por así decirlo, un par de encantadoras muchachas, que se escaparan de sus apreciaciones y voltearan las circunstancias a su favor.
Estas señoritas son nada más y nada menos, que las hijas de uno de los hombres más importantes de los Estados Unidos y ante las presiones de las circunstancias, "los invitados", se meten en problemas, que cada vez los obligan a salirse de lo preestablecido por ellos mismo, desatando una serie de elementos muy chistosos, que los irán llevando al sitio donde parte sus aventuras, el altar de una iglesia.
John Beckwith se enamora perdidamente de Claire (Rachel McAdams), una hermosa muchacha con un carácter que exalta constantemente la libertad y una manera de ver la vida algo ácida, y con una personalidad tan autentica, que dejaría prendado fácilmente a cualquier persona del mundo.
John deberá vencer al novio de Claire, un fanfarrón de sociedad, que mira a las mujeres como un objeto y las demás personas como "inferiores" a el y los hechos, porque su red de mentiras, puede atentar contra la amistad que ha construido con la chica de sus sueños.
Por su parte Jeremy Grey, cae en las redes de una astuta jovencita llamada Gloria, quien lo somete a muchas tensiones y al final lo domina a su antojo. El desafortunado personaje intenta huir de su "amada" a toda costa.
Esta película puede catalogarse como una simple comedia romántica, pero afortunadamente David Dobkin, la lleva a otro nivel, llevando a la gran pantalla, elementos interesantes, como es el arte de colarse en fiestas y volverlo una filosofía de vida, cosa que pasa mucho en las sociedad latinoamericanas; por esta razón fácilmente el público venezolano sentirá empatía por esta película que ya está en nuestras carteleras.
Este largometraje tiene el mérito de no ser una adaptación, una secuela, un comic llevado al celuloide, tiene como piedra angular el hecho de tener un guión original, elemento que no ha caracterizado esta temporada de cine en el mundo, y que para muchos entendidos, pudiera ser la causa de la debacle que vive actualmente esta poderosa industria.
Los rompebodas, es una película para reírse sin ningún tipo de censura, una comedia para adultos, pero que puede ser degustada por los más jóvenes. Sin duda una gran opción para ver en esta mes.

La vida acuática: Sumergiéndose en el surrealismo

Juan Pablo Valero

STEVE ZISSOU llega a la cúspide de su vida, atormentado por una serie de dudas, la mayoría ajenas, porque es visto por otras personas de una manera incorrecta a lo que él piensa. Pero los elementos que más lo atormentan son sus pensamientos sobre su vida, la cual ve cada vez más cerca de su final.
Viendo cómo su último documental es todo un fracaso, el afamado explorador de los mares, decide continuar sin saber que en los próximos días se enfrentaría a su destino, a su pasado y a su futuro, con piratas de los mares, tiburones de proporciones bíblicas, una grave pérdida y muchas aventuras en su travesía. El director Wes Anderson presenta por cuarta vez, una película de aventuras y comedia escenificada mar adentro, protagonizada por el actor Bill Murray nominado al Oscar, interpretando a Steve Zissou, un oceanógrafo que se lanza a la búsqueda del amor, la venganza y la redención en la que será su última expedición.
Zissou es conocido como un legendario explorador de las profundidades del mar, distinguido, elegante y creído, con reconocimiento mundial por sus documentales acerca de la vida submarina. La muerte de Esteban, quien fue devorado por un Tiburón Jaguar y la aparición de Ned Plimpton (Owen Wilson) quien asegura que él podría ser el hijo perdido de Steve, dan el impulso para que inicie lo que será el documental más elaborado de su carrera, con el propósito de vengarse del tiburón jaguar y encontrar la verdadera esencia paterna que había perdido.
Para esta aventura reúne dentro de su barco, The Belafonte, a una tripulación conformada por Jane Winslett-Richardson (Cate Blanchett), una periodista encinta quien, por raro que parezca, cubre la historia de la expedición; Eleanor Zissou (Anjelica Huston), la brillante esposa de Zissou y Vice Presidente de The Zissou Society; el afectuoso ingeniero alemán, Klaus Daimler (Willem Dafoe); archi enemigo y rival oceanógrafo, Alistair Hennessey (Jeff Goldblum); septuagenario productor de Zissou, Oseary Drakoulias (Michael Gambon); físico y compositor de música original, Vladimir Wolodarsky (Noah Taylor); el funcionario de la compañía de bonos, Bill Ubell (Bud Cort); Pelé dos Santos (Seu Jorge), experto en Seguridad Brasileño quien en forma regular le da serenatas al equipo con pegajosas interpretaciones musicales en portugués de canciones de David Bowie. El resto del Equipo Zissou incluye a la siempre topless chica del guión Anne-Marie Sakowitz (Robyn Cohen); al camarógrafo Vikram Ray (Waris Ahluwalia); el hombre rana Bobby Ogata (Neils Koizumi) y al editor y técnico de sonido Renzo Pietro (Pawel Wdowczak).
Un aspecto genial de esta película, es que la banda sonora es interpretada en vivo por uno de los actores, que con su guitarra en mano, canta canciones en varios idiomas.
El Belafonte es sencillamente un espectáculo y las tomas en el barco son espectaculares, que recuerdan los filmes de antaño, con escenarios decorados y construidos para el desplazamiento de los actores.
Anderson en su rol de director le imprime maestría a cada fotograma y es por eso que se pueden colar con frecuencia escenas magistrales, como un diálogo aburrido adornado por las pericias de una ballena en el fondo.
El guión es un poco ambivalente y cambia de matices cada cinco minutos y eso es uno de los puntos débiles, porque pasar de una comedia inteligente a un drama lleno de los clichés tradicionales del séptimo arte no es nada sano.
La Vida Acuática es una película ideal para todos aquellos que necesiten ver algo distinto a lo que Hollywood trae esta temporada, llena de títulos divertidos pero pocos profundos, Wes Anderson invita a todos a sumergirse en el mundo surrealista de Steve Zissou.

DATOS CURIOSOS
- Los papeles que interpretaron Bill Murray y Angelica Huston fueron escritos exclusivamente para ellos. El resto fue elegido por casting o petición.
- La película está dedicada a la memoria de Jacques-Yves Cousteau.
- Agregando a los retos de filmar debajo del agua estaba la realidad de que Bill Murray y Willem Dafoe eran los únicos que habían hecho algo de buceo. Todos los demás eran totalmente novatos en cuanto a estar debajo del agua. Para algunas escenas, Anderson también utilizó técnicas de "seco-por-mojado", en las que un escenario se llena de humo y tipos específicos de luces creando el aura de estar sumergidos en la profundidad del mar.
- La producción comenzó buscando un barco con una original forma y estilo. El director quería que fuese de la época de la segunda guerra mundial, un dragaminas de unos 50 metros de largo que recordase al Calypso de Cousteau, y lo encontraron en Sudáfrica. Mientras tanto, un segundo barco muy similar fue adquirido para ser desmantelado y utilizado para vestir el escenario.
- El guión es del propio director en colaboración con Noah Baumbach.
- En la película participa Seu Jorge que interpreta algunas canciones de Bowie en portugués y las presentó en un estilo folclórico y de apasionado bossa nova, que incluso agradaron al propio David Bowie.

Secuestro Express: De Venezuela para el mundo

Juan Pablo Valero
HACE ALGUNOS AÑOS, pensar en el éxito de una película venezolana, era tan sólo una utopía, ahora en pleno año 2005, Jonathan Jakubowicz desmorona la teoría de que el cine criollo no tiene esperanza, con su opera prima, que está llamada a ser la gran heroína en el mundo del celuloide venezolano, porque al igual que la pisada de Neil Armstrong en la Luna, este pequeño paso significa un gran salto para nuestra ideología y para la historia que comenzó el 28 de enero de 1897.
En la actualidad el cine venezolano está experimentando un gran salto y se están dando explosiones de creatividad en varias escalas, desde una película hecha en Valencia convertida en un éxito en España, hasta un estreno mundial de un largometraje criollo.
También hay que destacar el éxito en taquilla de la peor película de todos los tiempos hecha en Venezuela, que a pesar de ser vulgar, vergonzosa, mal hecha, pobre, poco original y facturada por debajo del nivel de las cintas universitarias, demostró que en la industria fílmica de nuestro feudo, afortunadamente hay muchas otras cosas que están mandando.
Secuestro Express se estrenará mundialmente, de la mano del prestigioso estudio Miramax, el mismo que ha distribuido filmes como Amelié. Cabe destacar, que esta es la primera película venezolana en ser distribuida por un estudio Norteamericano.
DEJATE SECUESTRAR
En América Latina, la grave situación económica ha llevado a un grupo de personas a usar el crimen como medio de vida, para ellos ganarse el salario de muchos años de vida en una sola noche, es prioridad y por eso salen a las calles a patear la vida y marcar a sus víctimas, quienes le darán su ansiado sustento monetario.
Secuestro Express narra la historia de Trece (Carlos Molina), Budu (Pedro Pérez) y Niga (Carlos Madera), tres delincuentes que se dedican al secuestro express como medio de subsistencia. Su manera de operar es muy sencilla, raptan a gente de dinero, piden cantidades pequeñas para su rescate, lo que hace posible que los familiares de sus rehenes saquen el monto muy fácilmente, paguen, liberen a sus "huéspedes" y por lo general eso no trascendía a los cuerpos policiales.
Ellos se acercan a una discoteca de moda y eligen a sus "clientes" de la noche, los seleccionados fueron Carla (Mía Maestro) y Martin (Jean Paul Leroux); quienes estaban a punto de pasar una desenfrenada noche llena de terror, adrenalina, olor a pólvora y muchos giros del destino, que buscaba castigarlos y premiarlos según las circunstancias de cada uno de los momentos que se vivieron en las siguientes horas.
En medio de una metrópolis, donde el manto de la noche la viste de caos y sensaciones encontradas, estos cincos personajes cruzaran más de una vez el umbral de los miedos, de las realidades y de las cosas que no se deben hacer bajo ningún escenario. Carla y Martín en el amanecer de ese día, conocen a una ciudad que nunca habían visto, por estar metidos en su mundo. Sergio (Rubén Blades), padre de Carla es quien tiene que pagar el dinero para salvar a su hija, mientras que a través de una línea telefónica se crea una nueva guerra, que en vez de balas, usa las palabras como artillería. Sergio y los captores se enfrentan en un campo de batalla y no se sabrá el resultado de esta disputa.
Hay que advertir que esta cinta no tiene medias tintas y es dura como la realidad que quiere mostrar al público, los hechos son presentados de una manera directa, sin muchos adornos, con una honestidad que tilda en lo brutal, porque al fin y al cabo, las cosas son como son.
Sin duda es una gran opción, porque es una gran película y tiene todos los elementos para mantener al espectador pegado a su butaca, porque muchas de las secuencias harán latir el corazón y dudar, porque aquí cualquier resultado es posible.

Regresa cupido motorizado

Juan Pablo Valero

LUEGO DE CUATRO películas (The Love Bug," 1969. "Herbie Rides Again," 1974. "Herbie Goes to Monte Carlo," 1977. "Herbie Goes Bananas," 1980.), una serie de televisión (The Love Bug" TV series, 1982) y una película para la televisión (The Love Bug" made-for-TV movie), el famoso Cupido Motorizado, regresa a la gran pantalla.
Luego de finalizar esa era dorada, donde el Escarabajo de Volskwagen con el número 53 era famoso y estaba en las primeras páginas de todos los medios de comunicación en esa época, comenzó un letargo de 23 años, hasta que Disney lo resucitó en un nuevo filme llamado "Herbie a Toda Marcha".
Para poder hacer este reto realidad, era necesario buscar a alguien taquillero y por eso convocaron a la hermosa Lindsay Lohan, quien a su corta edad es todo un fenómeno en los Estados Unidos y buena parte del mundo. La protagonista fue reforzada con actores de la talla de Michael Keaton y Matt Dillon.
Esta nueva entrega comienza con imágenes que evocan la nostalgia, con secuencias de las anteriores películas que convirtieron al peculiar automóvil en parte de la cultura popular del mundo, a medida que las imágenes van pasando, vemos como Herbie va cayendo, perdiendo y al final termina en una especie de chivera abandonado y oxidado.
El destino del motorizado protagonista es poco alentador, porque está a punto de ser convertido en chatarra, sin ninguna esperanza, ve en Maggie Peyton (Lindsay Lohan) una desesperada salida y hace de las suyas para que ella se fije en él.
Maggie es hija de Ray Peyton (Michael Keaton), campeón indiscutible de varias ediciones de NASCAR, quien en la actualidad se encuentra entrenando a su hijo Ray Jr (Breckin Meyer, el protagonista de Garfield), para que siga sus pasos, pero sin éxito.
Ray Payton teme que su hija, a quien le encanta correr, repita la historia de su madre que murió en un accidente de tránsito. La terquedad de Maggie hizo pasar un mal rato a su familia cuando se estrelló contra un árbol, choque del cual sobrevivió sin mayores consecuencias.
En las primeras de cambio, la conductora y el auto llegan al taller de Kevin (Justin Lohan), un amigo de la secundaria que inmediatamente se enamora de la audaz conductora y por eso decide acomodar al pobre carro y ponerle aditamentos actuales, para llevar a Herbie a los nuevos tiempos.
En una exhibición de carros Maggie y Herbie desafían a un pedante campeón de automovilismo llamado Trip Murphy (Matt Dillon) y el resultado de esa carrera callejera, definirá el rumbo de las acciones del filme.
Maggie se oculta bajo la figura del anterior conductor de Herbie, llamado Maxx, para evitar que su padre se moleste con ella por desobedecerlo, en los asuntos de las carreras de velocidad.
Poco a poco Herbie y sus renovadas acciones, van llevando a la protagonista a las pistas de NASCAR, donde deberá decidir entre su pasión por correr o el amor de su padre, quien hace de todo por protegerla.
Un dato curioso de la película es que cuenta con la actuación de pilotos profesionales de NASCAR como Jimmi Johnson, Jeff Gordon, Kevin Harvick, Jamie McMurray, Casey Mears, Rusty Wallace y Dale Jarrett; también su directora Angela Robinson, tomó un curso de manejo a alta velocidad para poder crear las más electrizantes secuencias y tratar de meter a las personas que vean el filme, dentro de ellas.
Es una película para ver en familia, bien sencilla y sin muchas complicaciones en la trama, con actuaciones normales y con la típica fórmula Disney, donde los finales felices están a la orden del día. Sin embargo, abusan del hecho de partir de donde las otras películas finalizaron, sin dar ningún tipo de explicaciones y en la secuencia final, clonan las virtudes del pequeño Volskwagen en otro automóvil, sin ningún tipo de referencia.
Lo que le falta es un poco de realidad y situar a las nuevas generaciones en los orígenes de Herbie, para estos nuevos espectadores Cupido Motorizado es un carro que viene del pasado, pero nadie supo cómo fue que se creó esta leyenda.
Pero no todo es malo, el hecho de permitirle a los adolescentes actuales la oportunidad de conocer a un personaje que fue el furor por un lapso de 30 años, es algo genial, porque sencillamente las cosas buenas siempre regresan.

Reviviendo la pasión y el arte

Juan Pablo Valero
CON un poco de retraso llegará a las salas de cine de Venezuela, la película La Joven del Arete de Perla, que promete mucho, debido a su calidad, actuaciones y guión, que han logrado importantes nominaciones y premios en el mundo.En este filme se narra la historia de Griet (SCARLETT J-HANSSON) quien desde que su padre quedó ciego luego de una explosión de horno, y a sus diecisiete años debe trabajar para sostener a su familia. Por esta razón se convierte en mucama de la casa del pintor Johannes Vermeer.

Poco a poco la jovencita va atrayendo la atención del artista. A pesar de haber crecido en dos mundos completamente distintos, en cuanto a educación y posición social, Vermeer reconoce la sensibilidad de Griet para apreciar el color y la luz, y lentamente la va dibujando dentro del misterioso mundo de sus pinturas.

Vermeer es un perfeccionista, y generalmente tardaba meses en terminar una pintura. Su astuta suegra Maria Thins, se esfuerza por mantener su lujoso estilo de vida familiar gracias a los ingresos de su yerno. Observando que Griet inspira a Vermeer, toma la peligrosa de decisión de permitir que su relación se desarrolle clandestinamente.

Hundido en una caótica casa de creencia católica manejada por Catharina, la esposa de Vermeer, Griet se va convirtiendo en un riesgo. La pequeña y traviesa Cornelia de doce años, comienza a sentir celos y a sospechar de Griet.

Sola y desprotegida, Griet se ampara en las atenciones de Pieter, un carnicero local y en el patrón de Vermeer, el saludable y lascivo Maestro van Rujiven, un hombre frustrado de que su dinero no pueda comprar el control sobre el artista Vermeer.

Griet cae poco a poco ante el encanto del pintor, aunque no puede estar segura de sus sentimientos hacia ella. De esta relación, nace una de las grandes pinturas de la historia mundial, pero los protagonistas deberán afrontar las consecuencias de sus actos, y quizás alguno de ellos deberá pagar un precio muy alto. Con base en la novela de Tracy Chevalier.

La joven con el arete de perla (Girl with a Pearl Earring, 2003), se convierte en todo un espectáculo para los amantes del buen cine, donde la cinematografía del filme lleva a los espectadores a otros lugares, elemento que casi no se ve en las películas de factura comercial, que inundan nuestros cines, cada vez con más fuerza. Scarlett Johansson, hace una de sus mejores actuaciones, lo que convierte a la película en una creíble pero tormentosa historia de amor, donde no todo es como se prevé en los filmes tradicionales.

La simplicidad de la trama esconde en realidad una complicada dinámica de relaciones que es mejor dejarlas en el anonimato, porque gran parte de la satisfacción que el espectador puede ver en este largometraje radica en ir descubriendo estas situaciones y su influencia en las vidas de los personajes.
A pesar de que se basa en una novela, la historia lejos de ser predecible se vuelve a recrear, bajo el peso de las actuaciones, porque son ellas en conjunto de una excelente dirección, la razón por la cual esta película jamás deja de nacer, porque siempre será innovadora y fresca.

En cuanto al protagonista masculino Collin Firth, se puede decir que a pesar de casi no tener diálogo en esta obra, transmite todo lo que las personas que vean el filme necesitan, todos los sentimientos y pensamientos que el silencio puede ocultar, logra como una especie de lenguaje de señas, gestos y pausas, que puede decirle a quien sea, todo lo que pasa por su mente.
Los logros de la película son muchos, pero especialmente hay que resaltar el manejo visual y la capacidad de los encargados de contar esta historia, de lograr tanto en tan poco tiempo, porque a pesar de durar 95 minutos, es mucho más intensa y completa que otros filmes de dos horas y media.

En varios medios de comunicación salieron diversas entrevistas a quienes se encargaron de hacer esta obra, una de ellas señala que cuando el productor Andy Paterson y su esposa, la escritora Olivia Hetreed, leyeron el libro "la Joven con el Arete de Perla, quedaron impactados, incluso Hetreed señaló que "fue algo extraño. Lo leí de una sola sentada, incluso casi sin respirar. Me enamoré de Griet, de su silenciosa certeza y de su determinación de ser libre en un mundo en donde eso era imposible para una niña de su condición".

Ellos decidieron convencer a los empresarios, para llevarla a la gran pantalla, sin que se convirtiera en algo al estilo de los grandes estrenos, sin caer en la vulgaridad, ya que la historia cuenta con elementos como para perderse, como lo es una relación extramarital y el poder erótico de dos cuerpos que no consuman sus deseos.
www.girlwithapearlearringmovie.com

DATOS CURIOSOS:
Es una adaptación de la novela homónima de Tracy Chevalier, inspirada en la vida el pintor holandés Johannes Vermeer (1632-1675), fallecido a los 43 años con 33 pinturas. En ella se especula con la vida de la joven que posó para Vermeer en el cuadro "La Gioconda del Norte".
El cuadro en el que se centra este largometraje está permanentemente en el Museo Mauritshuis de Holanda.

Acción al calor del desierto

Juan Pablo Valero
SAHARA intentar retomar el éxito de películas como Indiana Jones y La Momia, trasladando la acción al desierto e incorporando el elemento del tesoro perdido en medio de una tierra donde no hay ley y un dictador amenaza constantemente a los protagonistas.
Penélope Cruz. Interpreta a una hermosa doctora de la OMS. Quien busca desesperadamente la fuente de una terrible enfermedad que comienza a presentarse en Africa, ella decide entrar a un país en plena guerra civil, para poder lograr tener la clave para poder crear la cura.
En medio de su búsqueda se encontrará con el aventurero Dirk Pitt, quien es representado por Matthew McConaughey, quien se encuentra envuelto en la persecución de un valioso tesoro. El personaje de Dirk Pitt, es el protagonista de una serie de novelas publicadas por Clive Cussler.
Con estos elementos se intenta resucitar este género de aventura, con el aval de haber conquistado la cima de la taquilla en su semana de estreno de los Estados Unidos y generando excelentes críticas, a pesar de las carencias muy propias del género.
Una de las cosas que ayudó al éxito del filme fue la publicada relación entre Penélope Cruz y su protagonista, que abarcó una buena cantidad de centimetraje en la prensa, hecho que causó curiosidad y ayudó a movilizar a un grupo de curiosos a ver esta película, aparte de las personas que si fueron convencidos por los trailers.
El largometraje tiene de todo, aventura, buenas secuencias de acción, amor, elementos históricos, fantasía, crisis políticas y los dilemas de varios personajes de actuar bajo la figura del "Deber Ser" o sencillamente reaccionar a medida que se desarrollen las acciones, que comienzan a poner en peligro no sólo a un país, sino a todo el mundo.
En líneas generales es una cinta que entretiene a los espectadores, en la cual nada desentona y por la misma razón pocos elementos se destacan.
Un aspecto interesante es lograr un producto parecido a las películas de antaño, y no caer en la tendencia de los excesivos efectos especiales sin necesidad, cosa que ha llevado a la gran pantalla anomalías como "El Hijo de la Máscara".
Esto hace que la película se torne muy visible, porque tiene un buen argumento, como es el caso de la pérdida de un barco en los tiempos de la guerra civil de los Estados Unidos y su desaparición en el continente africano, luego tenemos la enfermedad que está llevando al final a la humanidad y la incompetencia de algunos países a la hora de actuar, cuando el mundo está en peligro.
A pesar de tener estos elementos tan fuertes, los dos se desarrollan por separado, aunque dan movimiento a cada uno de los personajes al punto de desenlace de la historia, en donde todo puede pasar.
Sahara es la adaptación de un Best Seller, que ha sido un éxito en varios países y que busca ser la garantía de la resurrección de este tipo de películas, y a pesar de que no lo logró de una manera contundente, puedo sembrar la semilla de otros intentos que pueden caer en la gracia o la desgracia del público.
Punto en contra es la inversión de 130 millones de dólares para realizarla, cosa que puede traducirse en un fracaso, a pesar de recolectar 100 millones de dólares en taquilla, pues es mucho el dinero que se debe recuperar y en el lenguaje que manejan los estudios de cine la falta de billetes verdes puede resultar muy mal, tal como sucedió en la "Extraordinaria Liga de Caballeros" y "Van Helsing".

Madagascar: Un filme para toda la familia

Juan Pablo Valero
DREAMWORKS traiciona sus tendencias más exitosas, donde la irreverencia era la protagonista, con su nuevo filme Madagascar, las ocurrencias de uno de sus personajes más rentables, Shrek, queda totalmente en el pasado.
Este filme tiene como norte la fórmula impuesta por varias generaciones por Walt Disney, regresando a la génesis de las películas infantiles donde la línea narrativa está impuesta por lo conservador y tradicional.
La historia cuenta la vida de cuatro residentes muy mimados del zoológico de Nueva York, quienes viven una vida de lujo, llena de todo tipo de atenciones, comidas, masajes y muchas bondades.
Alex, el león, es la principal atracción del parque, y en torno a su figura se hacen todo tipo de mercancías. Alex como buena estrella tiene un ego acrecentado y es sin duda el rey del lugar.
Marty, la cebra, es el mejor amigo de Alex, y a pesar de vivir toda su vida en cautiverio, quiere salir del lugar y conocer la vida salvaje y formula sus anhelos en el famoso "deseo de cumpleaños", cuando arriba a los 10 años de edad. Los otros amigos del clan, son Gloria, la Hipopótamo y Melman, la Jirafa, quien padece de una serie de males y enfermedades, que son muy bien atendidas en la ciudad de Nueva York.
Marty recibe la ayuda de unos pingüinos que desean ir a la Antártida para vivir en libertad. Este trío de inescrupulosos y torpes personajes se encargarán de hacer que Marty salga del zoológico, llevando consigo a sus amigos, quienes trataran de detenerlo.
Pero todo saldrá mal y los personajes del filme tendrán que ser "premiados" con su traslado a Africa, pero en medio del viaje tienen otro accidente y terminan en la isla de Madagascar, donde son recibidos por una tribu de lémures, quienes los invitan a vivir rodeados de la naturaleza.
En medio de la selva, estos animales tendrán que aprender a vivir en la jungla, a pesar de no conocer nada de la sobrevivencia sin la ayuda de los humanos.
La acción se desarrolla en Madagascar, una de las mayores islas del mundo, la cual está separada del continente africano por el canal de Mozambique, que en la película la pinta como el paraíso selvático, pero que en la realidad, las actividades humanas la han llevado a presentar grandes focos de contaminación por desperdicios orgánicos en buena parte de sus vías fluviales.
Alex deberá vencer su rabia, para perdonar a su amigo por llevarlo a la selva y poder recuperar su relación de toda la vida. También deberá ingeniárselas para regresar a su tan amada Nueva York y llevarse también a todos sus amigos.
La película en líneas generales es una gran opción para verla en familia, tiene todos los elementos que la mayoría de los espectadores de cine están acostumbrados a ver en este tipo de largometraje, y por eso no será una pérdida a la hora de asistir a las salas de cine.
La animación es bastante buena y los personajes están muy bien definidos, lográndose diferenciar como especies y como personalidades, que en conjunto hacen un excelente conglomerado, en uno de los más disparatados equipos en la historia del cine.
Una mención aparte se merecen los pingüinos, que con su manera "tipo comando" de hacer las cosas, van hilvanando todas las acciones de la trama y van adornando la mayoría de las secuencias con su extraño proceder.

Sin City: Una retorcida obra de arte

Juan Pablo Valero
HABLAR DE una obra de arte puede significar muchas cosas, en primer lugar porque es relativo, ya que la apreciación del arte varía según el criterio de la persona y lo que para algunos es una obra de arte, para otros es algo que no merece estar en esa categoría.
Con la última película de Roberto Rodríguez, puede pasar lo mismo, pues Ciudad Pecado (Titulo en español), puede ocasionar en el público una serie de lecturas distintas, como una cinta violenta y sin entendimiento, pero para mi sencillamente es una obra de arte que se logra a través de lo retorcido del planteamiento visual, que ha sido uno de los más interesante que he visto en años.
Robert Rodríguez no está solo en este largometraje, ya que comparte el rol de la dirección con nada más y nada menos que el creador de Hill Bill, Quentin Tarantino, y con el propio creador del comic en que se inspira la película, Frank Miller.
La presencia de actores es algo notable en esta cinta porque cuenta con gente como Bruce Willis (Hartigan), Jessica Alba (Nancy), Rosario Dawson (Gail), Benicio Del Toro (Jackie Boy), Brittany Murphy (Shellie), Clive Owen (Dwight), Mickey Rourke (Marv), Elijah Wood (Kevin), Michael Clarke Duncan (Manute), Michael Madsen (Bob), Josh Hartnett (El Hombre), Carla Gugino (Lucille), Jaime King (Goldie), Frank Miller (Cura), Nick Stahl (Roarke Jr/Bastardo amarillo), Devon Aoki (Miho), Alexis Bledel (Becky), Rutger Hauer (Cardenal Roark), entre otros.
Aunque Cannes la recibió con frialdad, el público ha estado satisfecho con esta adaptación, que la catalogan como una de las mejores logradas, en parte porque el creador del Comic está presente, y por eso no se repite los errores de otras adaptaciones como fue el caso de Gatúbela, filme que entristeció a los seguidores de este personaje de DC Comics.
Cito las palabras de un fan quien se identifica en la red como "Arigata" quien indicó que "Sin City no es la adaptación de un comic a la pantalla, como ha sucedido ya con varias películas, no es un resumen simplón, y nadie se da licencias artísticas como lamentablemente ha sucedido con tanto film basado en novelas gráficas o personajes de comics. Lo más increíble de Sin City, es que es tan fiel a las viñetas de la novela gráfica del mismo nombre, que simplemente pareciera que sus personajes han salido directamente de ellas, para cobrar vida. Aun cuando la película puede resultar sobreactuada y obviamente irreal, después de unos minutos de verla, simplemente te dejas envolver por sus monólogos, diálogos rebuscados y su falta de color".
Esta opinión realmente capta lo que uno ve en pantalla, porque ciertamente el estilo visual es increíble, con un manejo de los colores que en muchos pasajes resulta ser alucinante, y a pesar de que nos presentan elementos duros y difíciles de presenciar, el público termina aceptándolo y acostumbrándose a la temática y forma visual de esta película.
Esta cinta esta basada en tres historias recopiladas en la creación de Frank Miller, los tres personajes seleccionados fueron Hartigan, Marv, y Dwigth.
En la primera escena Josh Hartnett hace su aparición en su rol de "El Hombre", quien curiosamente tendrá la responsabilidad de cerrar el filme, con su manera tan particular de ver la vida y la muerte.
También se ve una referencia del enfrentamiento del detective Hartigan, con el hijo de un poderoso político de la zona, quien tenía la costumbre de abusar de niñas. En ese enfrentamiento recibe varios disparos y queda fuera de combate.
Posteriormente se ve la historia de un exconvicto llamado Marv, interpretado por Mickey Rourke, quien hace un gran papel, muy distinto a los que tiene acostumbrado a la audiencia.
Marv despierta un día junto con el cadáver de una prostituta, a quien le tenía mucho amor y cariño, poco a poco comienza a hilvanar las piezas del macabro rompecabezas y se da cuenta que le han tendido una trampa. Por esa razón decide buscar al responsable de la muerte de su amada y se enfrenta cara a cara con uno de los peores asesinos de la ciudad llamado Kevin, quien es caracterizado por Elijah Wood, quien sin duda deja atrás a su papel más emblemático de Frodo en la saga de El Señor de los Anillos.
La segunda historia de la película le corresponde a Hartigan, quien es mantenido con vida y varios años después de aquel suceso que casi lo mata, sale a la calle y se reencuentra con una de las niñas que salvó, quien ahora es una hermosa mujer y de la cual se enamora perdidamente.
Su historia de amor es interrumpida por la misma persona por la cual casi muere, el hijo del importante político regresa mucho más fuerte y entre ellos se da una batalla donde cualquier pronóstico es reservado.
La película cierra con Dwigth, un duro personaje que es testigo del fin de la alianza entre prostitutas y policías, cuando por error las aguerridas damas de la calle matan a un funcionario de las fuerzas de seguridad.
Ante esta situación tiene que evitar que caiga la paz en la Ciudad Pecado y es por eso que se decide a actuar en contra de despiadados policías.
Robert Rodríguez, supo pedir ayuda en este filme y desafió al gremio de directores a darle a su asesor, Frank Miller el cargo de director adjunto en la cinta, hecho que sin duda resultó ser extremadamente positivo, para la creación de una de las películas más vistosas de los últimos tiempos.

El reto de comandar a una familia

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Juan Pablo Valero

VIN DIESEL marca con esta película un giro de 180 grados, para tratar de evitar encasillarse en papeles que le estaban dando resultados en Hollywood, como el rudo rompedor de reglas y de todo lo que se le atravesaba. Esta vez, tomó el riesgo que toda figura de acción consagrada evitaría a toda costa, hacer una comedia familiar.
En esta película Shane Wolfe (Vin Diesel) es un miembro de la unidad especial de guerra de la naval, Navy S.E.A.L., quien acepta participar en la misión más difícil y peligrosa de su carrera, entrar al mundo del cuidado de niños. Esta idea no es nueva y recuerda claramente al actual gobernador del estado de California en los Estados Unidos, cuando hizo su película del Detective en Kinder, que mostró uno de los lados menos esperado del actor austríaco y ex mister universo.
En la historia al protagonista le es asignada la labor de proteger a los hijos de un científico asesinado, quien trabajaba en un invento secreto. Gracias a este argumento el antiguo protagonista de acción, tiene que combinar sus labores de combatir el mal y lidiar con los problemas de una familia, ejerciendo un rol que ni él mismo quisiera ser, como es la gran responsabilidad de ser padre.
En su nueva faceta cambiar las armas por jugos, juguetes y consejos y en vez de enfrentarse a peligrosas pandillas, tiene que luchar cara a cara con Zoe (Brittany Snow), una típica y conflictiva adolescente rebelde, con la cual tiene que conseguir un consenso para lograr que su misión tenga éxito y para tener la oportunidad de acercarse a la familia, aunque él mismo no lo quiera, al menos en el principio del la cinta.
Wolfe deberá animar (Max Theriot), un niño un poco bajo de autoestima quien tiene catorce años de edad, también tendrá que superar en astucia a la niña de 8 años, quien es una seria aspirante a Ninja, llamada Lulu (Morgan York).
Pero sus dolores de cabeza no terminan ahí, ya que tendrá que los más pequeños Peter y el bebé Tyler, se metan en problemas, cada vez que se le ocurra hacer una de las travesuras, las cuales se convirtieron en parte de su personalidad.
Aunque la historia no es original, es una película para toda la familia, donde se verá la predecible historia de un hombre rudo y solitario, quien es tocado por una familia disfuncional, quienes en equipo podrán vencer las rupturas y unirse en un sólido núcleo familiar.
Según los productores del filme, la estrella se salió de lo preestablecido, cuando graba la escena era un militar frío y letal, y cuando la cámara dejaba de funcionar, pasaba a ser el propio papá de los niños e incluso parecía un niño, que no dejaba de jugar con todos en el plató.
Incluso se registraron anécdotas, que cuando los más pequeños del elenco estallaban en llanto, llamaban a Vin Diesel, quien salía de su camerino a calmarlos, cosa que hacía muy bien, incluso el resto de los niños lo llamaba "el hombre que le susurra a los bebés", por su peculiar forma de calmarlos.
Vin Diesel experimentó lo que para muchos es una gran experiencia, que es convivir con niños, por todo lo que aprender de ellos y por ese sentimiento que comienza a despertarse dentro de cada ser, que le obliga a pensar en ser padre, hecho que es uno de los más fantásticos del planeta, por ser una experiencia única, que hace a las personas del sexo masculino, ser seres totalmente completos.

Hostage: Un error sería mortal

Juan Pablo Valero

AÑOS DE aciertos y una excelente carrera pueden irse al caño, al cometer un simple error. Una de las premisas más lamentables de la vida es que no vales por las cosas buenas que haces, sino por las equivocaciones que protagonizas, aunque suene cruel es una de las verdades más contundentes de nuestro trajinar por el mundo y esto lo vivió Jeff Talley protagonista de la película Hostage.

Talley, quien es interpretado por el siempre funcional Bruce Willis, es un agente encargado de negociar en situaciones de rehenes y comienza el filme en medio de una situación habitual, donde tiene que lidiar con un demente que piensa que su esposa le es infiel y ha tomado la decisión de asesinarla junto con su hijo.

El agente tiene que decidir entre la vida del pequeño y la vida del celópata y toma una opción inclinada a salvarlos a todos, pero al final la situación terminará con disparos, una boca ensangrentada, dos almas rumbo al infierno y otra al cielo.

Puede que la revelación de estos datos moleste a algunos lectores, pero seamos sinceros, hasta este punto tenemos un cliché casi institucional de las películas norteamericanas, donde el protagonista comete un error y decide dejar de ser lo que es, para huir de esa situación que lo atormentará por años.

Con el alma reseca de toda esperanza, Jeff Talley se muda a un tranquilo condado, donde se convierte en el jefe de la policía local, en medio de esa segunda oportunidad ve como su matrimonio se desmorona y su familia comienza a desaparecer de su vida.
Irónicamente todo estaba a punto de cambiar por una decisión que no tomó, cuando un grupo de jóvenes hacía cosas incorrectas en medio de la vía y él lo dejó pasar por alto, por tratarse de unos muchachos, a pocos metros estaba el Sr. Smith y su familia.

Este trío de agrupaciones definirían los hechos que sucederían pocos minutos después. Los perturbados adolescentes deciden seguir a los Smith para poder despojarlos de su auto, pero al final la Ley de Murphy se hace presente y todo se complica, colocando toda la fuerza policial sobre la casa de las víctimas del acto delictivo.

Talley decide salirse del juego y entregar el mando a otro negociador y cuando estaba a punto de llegar a su casa es secuestrado por un grupo de misteriosos personajes que le piden que intervenga en la situación o si no perderá muchas cosas valiosas.

Ante esta situación el jefe de la policía local regresa al sitio y comienza a enfrentarse a un juego de criminales, los primeros dentro de la casa, los otros en los lugares más complicados para un policía y unos terceros en medio de los otros dos.
En la casa los tres adolescentes son de diferentes personalidades; el inocente; el que quiere ser el malo de la partida; y el verdadero psicópata. A pesar de ser jóvenes y sin experiencia en el mundo del crimen, darán muchos dolores de cabeza, especialmente a los otros antagonistas de la película.
Lo agradable del filme, es que los malos se enfrentan en un "todos contra todos" y que te trae sorpresas, porque el menos poderoso se convierte en un verdadero asesino que puede atemorizar hasta el propio Hannibal Lecter. En medio de una escena por demás fenomenal, otra vez la boca ensangrentada hace acto de presencia agarrada de la mano con botellas con material incendiario y mucho fuego. En esta parte se define la situación central de la cinta, para dar paso a otra mucho más complicada.
Otro aspecto interesante, es que la trama no se preocupa por responderle al espectador las razones de los antagonistas de hacer todas esas cosas y mucho menos identificarlos, aunque se juega con las personas que ven el largometraje, dando pistas que jamás serán resueltas.

Florent Siri en su papel del director hace un buen trabajo, le da toques de gloria a los fotogramas que pasarán por los ojos de los espectadores y a pesar de eso no se despega de lo que debe ser una película de ese género. Las actuaciones son muy buenas, especialmente la de Ben Foster, quien hace de un despiadado adolescente, que al final será el protagonista indiscutible de toda la secuencia final.

Quien desee asistir a las salas de cine a ver este filme, no saldrá defraudado, porque no es predecible y no tiene los finales comunes, donde los buenos salen ganando, porque al final la vida es despiadada y no se caracteriza por perdonar el error que cometemos, porque al final ese elemento prevalecerá sobre todo lo bueno que hagamos.

El dilema entre el deber y lo correcto

Juan Pablo Valero
HOLLYWOOD nos trae otra película que evidencia su crisis de creatividad, ya que Asalto en el Precinto 13, es un remake de una película que realizó Jhon Carpenter en el año de 1976, hace 19 años atrás para ser exacto.
En Latinoamérica esta nueva versión se llamará Masacre en el Precinto 13, pero por respeto al nombre original lo dejamos como "asalto", porque aunque quieran vender una "masacre", éste no se acerca ni por casualidad a lo que se ve en el filme.
El gran punto a favor que tiene esta nueva versión, es que no trata de parecerse a su antecesora y busca constantemente tener una identidad nueva a pesar de nacer de una idea que el año que viene cumplirá dos décadas.
Otro elemento favorable es que no cae en los finales predefinidos al cual el cine norteamericano nos tiene acostumbrados, a pesar que cuenta con aspectos como el delincuente que puede cambiar su vida; el policía que lo atormenta su pasado; un funcionario público que está trabajando su último día antes de ser jubilado; una psiquiatra con más problemas que soluciones; entre otras cosas.
La historia es sencilla: el precinto policíaco 13, en la ciudad de Detroit, está por cerrar para siempre, y en la noche de Año Nuevo del 2005, durante una terrible tormenta de nieve, el Sargento Jake Roenick (Ethan Hawke), la secretaria Iris Ferry (Drea de Matteo) y un par de oficiales se encargan de empacar lo necesario para su eventual mudanza.
Pero inesperadamente llega un autobús policial con una extraña solicitud: debido a la intensa nevada, se ha decidido posponer el traslado del recién capturado criminal Marion Bishop (Laurence Fishburne), quien viene en compañía de un drogadicto, un ladrón y una pandillera que sostiene su inocencia.
En vez de arriesgarse a tener un accidente, prefieren encerrar temporalmente al prisionero en el calabozo del Precinto 13, hasta que el clima mejore. El Sargento Roenick acepta, pero al poco tiempo comienzan los problemas, cuando un escuadrón de hombres enmascarados atacan el Precinto, con la aparente intención de rescatar a Bishop.
Realmente los hombres que intentan entrar al maltrecho edificio son policías, bajo el mando de un comandante corrupto, el oficial Marcus Dubai (Gabriel Byrne), quien decide asesinar a Bishop para enterrar todos los secretos que involucraban al alto mando policial.
Por esta razón Roenick se tiene que enfrentar de nuevo a sus demonios, cuando tiene que decidir mover las piezas para salvar la vida de los presentes y poder elegir entre el deber y lo correcto.
En su tablero de juego tiene a un grupo de delincuentes, armas viejas y una edificación que se cae por su propia cuenta, mientras que en el otro lado tiene a un grupo de hombres fuertemente armados con lo mejor de la tecnología.
Jean-Franáois Richet en su rol de director, marca la diferencia cambiando los pandilleros de la original por policías quitándole elementos de violencia para sumarle suspenso y temas políticos, como es el caso de la corrupción policial.
Esta nueva versión no tiene el humor negro de su antecesora, y de hecho se convierte en un filme de suspenso serio y formal, pero que cumple con las necesidades del género.
Las actuaciones son sólidas. Laurence Fishburne da vida a un frío asesino que a pesar de defenderse de los malos, no abandona su malévola naturaleza en ningún momento y hace un papel creíble e inteligente. Ethan Hawke hace del protagonista atormentado por los errores del pasado y se desempeña excelentemente en el rol sin sobreactuar ni aburrir; por su parte Bryrne interpreta un personaje común en las películas de este tipo, sin embargo le saca el juego y a pesar de las limitaciones logra intimidad como malo.
Jhon Leguizamo hace un papel de drogadicto y su maquillaje es tan bueno, que hasta que ves los créditos no te das cuentas que se trata de este reconocido actor; el resto del elenco no decepciona y el público puede ver una labor destacada a nivel histriónico.
La única excepción es el rapero Ja Rule, que trae consigo un ganster de poca monta que habla de sí mismo en tercera persona y que la única finalidad en la historia es que le disparen a mansalva.
Este "refrito" es una buena cinta de suspenso, así que no caigan en el engaño de que es una película de acción, porque saldrán defraudados. A los amantes de la violencia en la gran pantalla, esta cinta tiene buenas secuencias de disparos y golpes, pero sin duda el peso de la trama recae en la presión psicológica de los personajes y de sus dilemas existenciales.
Rara vez uno se encuentra con una nueva versión que sea buena, como siempre la original sale ganando, pero en este caso se presenta bajo un nuevo concepto, con una identidad propia que hace posible que usted pueda ver y disfrutar de estos dos filmes por igual, porque estará viendo cosas relativamente distintas.
FICHA

La eterna lucha entre vampiros y sus cazadores

Juan Pablo Valero

LA TERCERA ENTREGA de Blade, llamada "Blade Trinity", regresa con todas las fuerzas para tratar de conquistar la taquilla venezolana, porque en los Estados Unidos hizo estragos por el estreno de otras grandes películas.

La historia parte en Irak, donde un grupo de vampiros se internan a un templo enterrado, para buscar a Drácula, el primer vampiro y el creador de la maligna raza, quien se moderniza tomando el nombre de Drake (Dominic Purcell).

Este vampiro tiene el poder de caminar bajo la luz del sol y su misión será destruir a Blade, un hombre mitad vampiro, mitad hombre, que desde varios años ha venido cazando y derrotando a la raza vampira.

Para lograr este triunfo los vampiros conspiran y lanzan una campaña mediática para convertir a Blade en un asesino y hacer que los cuerpos de seguridad del país se dediquen a capturarlo.

Lamentablemente el héroe de la película cae preso y es necesaria la intervención de dos nuevos cazadores, una de ellos es la hija ilegítima de Whistler (mentor de Blade), llamada Abigail (Jessica Biel), y Hannibal King (Ryan Reynolds).

Con este trío de cazadores comienza una aventura que se caracteriza por unas desenfrenadas secuencias de acción que mantendrán a muchos espectadores agarrados a sus asientos, pero sin nada más que ofrecer al género, porque el nuevo director no supo sacarle provecho a la saga, a pesar de haber sido el guionista de todas las películas.

Sin embargo, es una opción válida para los amantes de la acción y de los vampiros, porque esta vez el desdibujado Drácula es un enemigo digno para Blade, cosa que nunca sucedió en las anteriores entregas, que el enemigo siempre estaba por debajo de la fuerza del protagonista.

El 28 de enero de 2004, en la ciudad canadiense de Vancouver, finalizó la fotografía principal de "Blade Trinity" y se comenzó a proceder a la edición del filme que salió a las pantallas norteamericanas el pasado mes de diciembre, sin los resultados esperados por la casa productora.

En Blade Trinity se regresó al formato original, dejando atrás las innovaciones computarizadas llevadas a cabo por el director Guillermo del Toro en la segunda entrega. Por eso podemos ver una acción más urbana, donde predominan los escenarios reales y las batallas sin tantos artilugios virtuales, aunque el despliegue de efectos especiales es sencillamente descomunal.

Para muchos expertos en el tema, esta película marca el inicio de la decadencia de la saga, porque es la más descuidada de todos los filmes y ciertamente es así; el director no cuida muchos detalles y la película se pierde en varias inconsistencias, pero aun así el nombre de Blade es lo suficientemente grande como para que el espectador no sienta que perdió su dinero, aunque estará de acuerdo con que no es lo que se espera de la tan esperada película.

Luego de un desenfrenado inicio lleno de golpes, piruetas, explosiones y grandes peleas, el largometraje se sumerge en un "bajón", donde se explora a los dos nuevos personajes de la saga y se va dando un duelo psicológico entre el desdibujado Drácula y el protagonista de la serie.

Posteriormente se incrementa el ritmo en la última pelea entre los dos seres, donde el final es común para una saga, repleto de elementos que te den la oportunidad de grabar una cuarta parte.

En cuanto al reparto, Wesley Snipes exhibe su habitual rostro de piedra, donde la expresión no tiene cabida alguna, el cual ha empleado cada vez que da vida a Blade.

Jessica Biel se convierte en una heroína que golpea en numerosas ocasiones pero que no habla mucho, si bien se deja ver bastante para las delicias de los espectadores del género masculino, mientras que a Ryan Reynolds le toca ser el payaso de turno, diciendo los diálogos más inconsistentes de la película, que ni siquiera sus secuencias de acción pudieron salvar.

Finalmente, está Dominic Purcell, quien se vistió de Drácula, un personaje oscuro, carente de sazón y del poder del amo de las tinieblas, que se muestra desabrido y sin ningún carisma, lo que no es culpa del actor, sino del guionista que colocó palabras tan fuera de tono, que puede catapultar a este Drácula como uno de los peores de todos los tiempos, superado por el deshonroso manejo de los temas de vampiros que se hizo en el bodrio de Van Helsing.

En resumidas cuentas, tenemos una película diseñada para comer cotufas, pasarla bien y al salir del cine olvidar, mucha acción, poco contenido, pobres actuaciones, excelentes secuencias de peleas, música regular, y muchos recuerdos de taquillas exitosas que en esta entrega son un vago recuerdo pasajero.

Se desata el terror

Juan Pablo Valero

SI USTED es una persona que le gustan las películas serias y con trama, si ha visto todas las cintas de Hilary Duff y Lindsay Lohan, si es fanático de los filmes ganadores de premios de la Academia, si sufre del corazón, detesta ver muertos y critica la sección de sucesos de todos los diarios, Masacre en Texas no es una película para su consumo.

Si, por el contrario, ha visto todas las películas de Jason y Freddy, antes de que los dos se juntaran en ese filme para olvidar; le gustan las cosas fuertes y no tiene inconvenientes a la hora de ver muertes en la gran pantalla, Masacre en Texas es una opción válida, una película que regresa al terror del pasado y revive una película que tenía años silenciada.

La historia está ligeramente basada en los crímenes de un asesino de los Estados Unidos, llamado Ed Gein, quien en los años 50 atemorizara el sur de dicha nación con sus crueles crímenes, que se caracterizaron por convertir a sus víctimas en macabras obras de arte.
Este asesino fue conocido como el Caníbal de Wisconsin, quien confesara en más de una ocasión sus fechorías, pero que desafortunadamente nadie le creyó. Sus hábitos de canibalismo y necrofilia sirvieron para inspirar al personaje de Norman Bates y al asesino en serie del largometraje El Silencio de los Inocentes.

En esta versión, el director Marcus Nispel, hace un "remake" de una película que lleva el mismo nombre, la cual se estrenó el 1 de octubre de 1974, y que luego de 30 años ha sido pionera de los asesinos enmascarados que destrozan a sus víctimas y las desaparecen como por arte de magia.
Sin duda, Nispel no superó a su antecesora en casi ningún aspecto, pero tiene el mérito de traer a las nuevas generaciones el clásico de terror, lo cual ha hecho posible que muchos espectadores busquen en su club de vídeo la película original.

Esta película comienza con el regreso de un grupo de amigos en una camioneta, quienes vienen de un concierto de rock en el vecino país de México.

En medio de la vía se encuentran con una mujer perturbada, que a medias les dice que ella no puede escapar del mal y por eso decide algo que sin duda impresionará al más duro de la audiencia.

A partir de ese momento, estos jóvenes se topan con una serie de pueblerinos, que poco a poco se irán convirtiendo en la "piedra de tranca" que los llevará hacia las manos de un despiadado asesino, que no tendrá compasión a la hora de matar.

La protagonista del filme, llamada Erin (Jessica Biel), viaja con su novio y tres amigos hacia un destino mortal; ellos en su totalidad desconocen que a pocos kilómetros la policía se trasladó a un tétrico sótano, donde encontraron una gran cantidad de cadáveres y que en medio de la investigación fueron atacados por un desquiciado.

El resto de la película se basará en una persecución, donde poco a poco los jóvenes van cayendo en la sierra de su cazador, y cada una de las muertes es llevada a la pantalla sin ninguna finura y sin dejar nada a la imaginación.

Al consultar las opiniones de los fanáticos del terror clásico, pude constatar que consideran que este filme es uno de los peores de todos los tiempos, al igual que todas las películas nuevas como El Aro y Misteriosa Obsesión.

En contraparte revisé la opinión del espectador promedio a través de varias páginas de Internet y encontré un fenómeno contrario, donde la mayoría expresó su complacencia con esta cinta.
En mi opinión muy particular, no se podría juzgar este filme como algo clásico, porque está hecho en estos tiempos, y aunque retoma el estilo visual de las películas de los 70 y 80, nunca deja de ser un producto de nueva factura.

Para el público ha resultado impactante, porque en estos tiempos se ha perdido la capacidad de asombro, y ante la crudeza de muchos hechos de la actualidad, los filmes se quedan cortos. El director creó esta película bajo una óptica muy mórbida, que hará fruncir el rostro a más de uno.
En la mayoría de las escenas se usa un humor negro, donde jugar con cadáveres en estado de descomposición es el pasatiempo preferido de más de uno de los personajes.

La protagonista, Jessica Biel, sin duda ha tratado de alejarse de la imagen de la "niña buena" que proyectó en la serie de T.V. conocida en Venezuela como El Séptimo Cielo, y por esta razón se ha embarcado en procesos cinematográficos muy distintos a los que la estaban encasillando.
Masacre en Texas le brindó la oportunidad de convertirse en la nueva "reina del grito" (trono que parecía vacío desde la salida de Jamie Lee Curtis), logrando una actuación bastante aceptable y que mantiene al público masculino pegado a sus asientos, por más de una razón.

La cinta, que llegará a la cartelera venezolana en los próximos días, ha logrado muy buena taquilla en los países de habla hispana donde se ha proyectado, a pesar de tener un público muy limitado, y se espera que en Venezuela se repita la experiencia.

Por su parte, el asesino se despilfarra en las imágenes. Realmente el peso se lo lleva la protagonista y no el malo, cosa que en una película de este género es algo bastante extraño. A "Leatherface,", como se le llamaba a este personaje, le encantaba confeccionar máscaras con la piel de sus víctimas y mataba con una poco discreta sierra eléctrica.

DATOS CURIOSOS

- El productor es nada más y nada menos que Michael Bay, el mismo director de Armageddon, Dos Policías Rebeldes II, Pearl Harbor y La Roca.
- La actriz Katie Holmes fue considerada para el papel de Erin.
- Daniel Pearl, director de fotografía en este filme, también lo fue en la versión original de 1974.
- John Larroquette repite como narrador del texto inicial de la película.
- Los nombres de los personajes no coinciden con los de la primera película.
- La película comienza con el final de la primera, es decir, los chicos encuentran a una joven rubia que ha logrado escapar de la familia Sawyer.